Туристы в картинах художников

Обновлено: 10.01.2025

Жизнь после катастрофы - руинисты. Поструинисты - туристы на развалинах

Среднее время прочтения:

Картины руинистов уже неплохо известны. Если отбросить заголовки, явно противоречащие смыслу картины и не считать все буйной фантазией художника, можно выстроить вполне понятный образ того, как жили люди после катастрофы. Датам картин сложно доверять. Все картины «руинистов», по большому счету, делятся на две группы.

Первые рисуют грязные, заросшие травой и деревьями руины, людей, не стесняющихся развешивать белье где придется, одетых в балахонистые одежды, без всяких изысков и излишеств. Пищу готовят на кострах, полощут белье прямо на площадях города( точней того, что от него осталась). Из трухлявых досок делают кривые загородки для жилищ и животных. Время от времени в хРАмах, где раньше генерировали волновую энергию магмы земли, происходят взрывы и пожары, так как контроль за технологическим процессом утрачен. Некоторые зарабатывают «игрой на баяне у вокзала», их потом поэтично назвали «менестрели». Разгуливают банды.

Вторые рисуют чистые, отмытые, живописные руины и среди них хорошо одетых людей, которые больше напоминают туристов. Темы картин возвышенные, руины нарисованы в качестве декорации к исторической или духовной сцене.

Возникает чувство, что первые рисовали реальную послекатастрофную жизнь. Но время шло, люди восстанавливали жизнь, ужасы забылись, появились деньги… Путешественники отправились осматривать места, больше всех пострадавшие в катастрофе. Вот их и рисуют вторые руинисты. Возникает чувство, что для туристов разыгрывают сцены из «древней» жизни, как сейчас шоу-мены в отелях для отдыхающих.

Что интересно, даты жизни многих руинистов из второй группы, гораздо более ранние, чем у первой группы. Если историю фальсифицировали, то логично было так сделать, чтоб приписать первой группе художников чрезмерно буйную фантазию. Например, годы жизни известного руиниста Гюбера (Хьюбер, Юбер) Робера по официальной версии 1733-1808, его называли " Певец руин". А годы жизни «помпезнотуристического» художника Паоло Панини отодвинуты назад, 1691-1765 гг. Возможно, что Г.Робер жил именно в данные годы, но нужно было создать видимость, что катастрофа и руины это дело давно прошедшее, вот и создавались биографии «ранних» руинистов.

По картинам Г.Робера и других художников можно воссоздать послекатастрофный быт. Первое, что нужно человеку в таких условиях: крыша над головой и еда.

ГДЕ ЖИЛИ СПАСШИЕСЯ

Под жилье оборудуются развалины, еда варится на кострах.

Вилла Мадама под Римом. Г.Робер.

Следующая картина называется «Вынужденный привал». Но у разрушенной ротонды стоят горшки с цветами, рядом крытый шалаш, видимо, для животных. Здесь явно живут и, если путники попросили отдохнуть, их пригласили бы в дом. Да и у путников нет поклажи, чтоб так устать, аж до «вынужденного привала».

Вынужденный привал. Г. Робер.

Следующая картина «Переезд в зимний день». В доме нет стекол, над трубой остатки каркаса купола, трещины, копоть. Девушка зимой в платье с коротким рукавом, вещи, которые не собирали к переезду, а повытаскивали из пожара что успели. Или просто со всей округи взяли уцелевшее.

Переезд в зимний день. В. Дж. Джозефус.

Здесь уже обжились, пристроили лестницы, двери на втором этаже.

Дж. Антонио Каналетто.

На этой картине человек с факелом освещает засыпанный вход в подземелье, туда идет лестница. Возможно, здесь не живут, а что-то достают или хранят.

Развалины с обелиском. Г. Робер.

«Дом в лесу». Странное противоречие каменных стен и соломенной крыши. Пристройчик на крыше напоминает ротонду, возможно, приспособили то, что осталось от нее. И тут же домашний водопровод с каменной! ванной!… И цветочный горшок, жизнь продолжается!

Дом в лесу. Г. Робер.

Второй вопрос: ЧТО КУШАЛИ?

Картина «Разорители гнезд». Я б назвала «Яишенки захотелось»))

Разорители гнезд. Г. Робер.

Такие «романтические сады» в упрощенном варианте видели многие после развала СССР, когда стали забрасывать сады. По осени народ из окрестных мест бродит среди заросших кустов и исчезающих год от года развалюшек, собирает, что Бог послал.… Кривая, полусгнившая ветка в центре картины показывает, что за садом не ухаживают.

Романтический сад. Г. Робер.

Люди завели себе домашних животных, мясо и молоко было. Наверху все заросло небольшими деревьями, не до них. Заборчик шаткий, люди одеты просто, но чисто.

Развалины в Риме . Г. Робер.

Лошадок держали, значит и садили кое-что и ездили по делам. Здесь живут с лошадьми под одной крышей, места много

ЧЕМ ЗАНИМАЛИСЬ?

Организовали расчистку завалов. Значит, уже было самоуправление. Справа на камнях, похоже, руководители. Названия запутывают невдумчивого зрителя. Кто видел, как идет снос дома, знает, что все собирается в отдельные аккуратные кучи. А здесь хаос, крыши как срезало (звуковой волной?) еще и следы пожара.

Подобное мы уже наблюдали: люди откапывают и спускаются в подземные галереи. Нужные вещи искали.

Колизей. Г. Робер.

Эти «отшельники» напоминают работников разрушенных хРАмов, которые в одиночку (остальные спецы погибли) хотели хоть что-то восстановить по старым инструкциям. Разве будут к отшельнику забегать развеселые девицы и брать что-то там себе, а он даже не оглядывается? Может, одна его дочь? На переднем плане люк, прикрытый досками, явно спуск в поземелья-звуководы.

Здесь тоже «инженер» ТЭЦ засиделся за инструкциями, пришли жена( уже ругается) и дочь его звать, а он отмахивается

Отшельник. Г. Робер.

Бродячие менестрели. Г. Робер.

Вот и те самые «гармонисты в переходе». Каждый зарабатывает, как может. Потом их назвали романтичными менестрелями.

БЫТ ЖЕНЩИН

Вы уже обратили внимание, что воды довольно много на картинах. Видимо, люди жили там, где техносистемы еще сохранились. Явно в подземных водных звуководах напор воды еще был. Ведь в подземелья заключали и реки, как Неглинку в Москве. Ротонды служили раньше водозборными колонками и фонтанами. А после разрушения, женщины устроили здесь прачечные.

Стирающие женщины. Г. Робер.

На террасе. Г. Робер.

Источник прорвался наверх и довольно мощный.

Ну и находились люди, промышлявшие разбоем. Устроили веселье «гопники», женщины справа убегают.

ВЗРЫВЫ И ПОЖАРЫ ОСТАТКОВ ТЕХНОЛОГИЧЕСКИХ СООРУЖЕНИЙ

Вот представьте, сейчас наши атомные станции слехка повреждены катастрофой, но не полностью, работают в автономном режиме, персонала нет. Ну и через какое-то время начинаются аварии, взрывы и тд. Похоже, последующие картины именно об этом. Видимо, радиации не было, какая-то другая энергия.

Картина ниже называется «Пожар в опере Пале Рояль». Если мы поверим названию, то вопросов не возникнет. А мы не поверим и проверим своей логикой. Опера Королевская, а стены пустые, без украшений, довольно чистые, будто долго под дождем стояли. Крыша ровно срезана, при пожаре пожарные приезжают и первым делом крышу вертолетами поднимают и чтоб ровненько? Огонь где-то глубоко внизу

Пожар в Опере Пале Рояль. Г. Робер.

Подписано просто Пожар. Мы видим)). Причем горит тоже в купольном сооружении, похожем на Казанский собор.

Следующая картина «Снос цкркви. ». Если имеется в виду подрыв здания, то что здесь делают люди, явно праздные зрители, сидят и смотрят. Если это организованный взрыв, должна и безопасность быть организована. При взрывах зданий огня не должно быть, сколько видела, всегда взметнется облако пыли и здание осядет почти точно на фундамент. А здесь клубы БЕЛОГО дыма, как на предыдущей картине. Перестал работать сброс лишней энергии после разрушения, система перегрелась, вот и горит.

Снос церкви Сен-Жан-ан-Грев. Г. Робер.

А здесь вообще милота или верх цинизма: " Пейзаж с каскадом"… Ничего себе пейзаж. Люди бегут, вода, возможно, только хлынула. Внутри уже не горит, а взрывается. И взрыв точно по центру ротонды. Здание, видимо, стояло на подземном тоннеле — водном звуководе.

Пейзаж с каскадом. Г. Робер.

Ниже картина странная. Левая часть закопченая, даже горит нечто, но люди сидят. Бежать некуда или живут здесь? Старик из-за колонны выглядывает, женщина с ребенком. Вышли подышать на воздух?

Интерьер храма Дианы. Г. Робер.

Ниже две картины, приписываемые руинисту Г. Роберу. Я сомневаюсь в том, что картина «Большая галерея Лувра» за 1790 г. принадлежит этому художнику. Вы видели много его картин, сравните сами его стиль и стиль этой картины. Вторая картина почти с таким же названием, но за 1796 год: «ВООБРАЖАЕМЫЙ ВИД Большой галереи Лувра В РУИНАХ». Этим названием нас хотят убедить, что в 1790-е с Лувром было все в порядке, а вот у художника слишком буйная фантазия, когда он Лувр позже в руинах писал.

Похоже, что с этими двумя картинами стоит кому-то покопаться поглубже, здесь явно можно найти интересную историю.

ПОСТРУИНИСТЫ И ТУРИСТЫ

И для сравнения две картины «поструиниста» Дж. Паоло Панини, хотя это я так его назвала, по официальной версии его годы жизни раньше, чем у Г. Робера 1691-1765гг. Но я ориентируюсь не на даты и не на названия, а анализирую сюжет картины. На картинах этого автора, в основном, городские пейзажи и римские руины.

Вот эта картина названа «Великий Константин в римских руинах». А я вижу гида, рассказывающего приезжим «историю» этих развалин. Местная женщина, пришедшая за водой не очень-то верит и не боится «великого константина», ей явно не нравится, то, что он «впаривает»(извините) слушателям и пытается остановить его. Развалины выглядят довольно ухоженными (прибыль приносят)

Великий Константин в Римских руинах. Дж. Панини.

И вторая картина Паоло Панини «Галерея. ». Видимо, прошло уже немало лет, пейзажи руин приносят хороший доход, раскопанные предметы прошлого пользуются спросом, налажена выгодная торговля всем этим. Под галерею занято хорошее помещение, с драпировками(чего нет на картинах Г.Робера).Люди одеты в хорошие, фасонные одежды, явно шитые мастером. Небо голубое с белыми облаками, уже очистилось от пыли.

25 главных шедевров Третьяковской галереи

Не хватит и целого дня, чтобы осмотреть бесконечные залы двух зданий самого знаменитого музея Москвы. Мы выбрали картины, мимо которых не проходит ни один посетитель.

Мечтой создателя галереи Павла Третьякова была организация крупнейшего публичного музея русского искусства, ведь до него дворяне коллекционировали преимущественно западноевропейскую живопись и скульптуру. Этот успешный купец ввел моду на русских художников и страстно скупал их картины. Мечту он осуществил - даже добавил четыре пристройки к своему особняку в центре Москвы. В 1980-х была построена Новая Третьяковка - специально для искусства XX века.

Собрание музея сегодня насчитывает более 190 тысяч произведений. Давайте взглянем на самые важные из них.

Европа на картинах русских художников

Наши живописцы ездили учиться и очаровываться в Италию, Францию и не только. Неудивительно, что в результате у них получались настоящие шедевры.

Сильвестр Щедрин (1791-1830)

Талантливый Щедрин в очень юном возрасте поступил в петербургскую Академию Художеств и получил за дипломную картину золотую медаль и грант («пенсию») на путешествие по Европе. В 1818 году он поехал в Италию и эта страна так пленила его, что он провел там остаток жизни. Его стихия была пленэр и он развивал свое мастерство, невероятно работал с цветовой гаммой и со светом. Его картины с видами Рима, Неаполя, Сорренто хранятся в главных картинных галереях страны и для русского искусства начала XIX века являются новаторскими.

Русские художники-путешественники

Путешествия. Знакомство с культурами других народов и стран расширяет кругозор, меняет представление о мире, а натурам ищущим, творческим дает импульс для создания произведений искусства, становясь источником вдохновения. Рисунок - самый непосредственный вид изобразительного искусства, передающий живые впечатления от увиденного. Натурные зарисовки и законченные композиции, исполненные в разных графических техниках (карандаш, перо, акварель, пастель), хранят свежесть художественного восприятия природы, архитектурных памятников, людей. Выставка из фондов графики Третьяковской галереи, проходившая в июне 2009 - январе 2010 года, объединила более 350 произведений конца XVIII - начала XX века (до 1930-х), созданных в поездках по Российской империи и зарубежным странам.

Стены первого, вводного зала были отданы крупноформатным воспроизведениям старинных географических карт, и это необычное начало экспозиции сразу создавало у зрителей определенный настрой, ощущение предстоящего путешествия. Старинные карты Европы, Средиземноморья и России очерчивали границы мира, привычного для русского человека в XIX столетии. Оригиналами для них послужили гравюры из фондов Государственного Исторического музея, а также гравированная Этнографическая карта Российской империи в томе энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона, изданном в 1899 году.

В витринах можно было увидеть редко выставляемые путевые альбомы художников. Заполняющие их беглые наброски, обнаруживающие высокое мастерство владения карандашом или пером, и законченные рисунки, подцвеченные акварелью, привлекают непосредственностью впечатлений. Многие из них — подлинные сокровища рисовального искусства. С альбомами в руках по России путешествовали братья Г.Г. и Н.Г. Чернецовы, В.В. Верещагин, И.Е. Репин, Ф.А. Васильев, И.И. Шишкин, И.И. Левитан, А.П. Рябушкин. В пенсионерских и частных поездках за рубеж рисовали М.Н. и С.М. Воробьевы, А.Т. Марков, В.Е. Раев, Н.Ф. Брюллов, А.П. Боголюбов, В.Д. Поленов, В.А. Серов.

Созданная специально для этой выставки видеопрограмма «По страницам путевых альбомов» предоставляла посетителям уникальную возможность их «полистать», познакомиться с путевыми зарисовками, которые невозможно иначе показать в экспозиции.

Каждый из последующих пяти залов выставки был посвящен большому государству или региону и первый из них — Российской империи конца XVIII — середины XIX века. Эпоха Просвещения принесла в Россию моду на путешествия и исследования. С конца XVIII столетия до 1840-х годов каждую экспедицию или дипломатическую миссию сопровождали художники, занимавшиеся «снятием видов». Воспитанники Императорской Академии художеств направлялись в отдаленные области страны для фиксации видов недавно присоединенных территорий, выполняли специальные заказы, имевшие целью создание живописной панорамы древних и новых городов — эти задачи расценивались как государственные. Художники путешествовали, находясь в свите членов императорской фамилии, а также предпринимали частные поездки.

Самыми ранними из экспонировавшихся работ были акварели М.М. Иванова. В 1780 году в чине премьер-майора он был направлен на юг России в распоряжение генерал-фельдмаршала князя Г.А. Потемкина. Живописец и рисовальщик исполнял обязанности квартирмейстера при Главном штабе, неоднократно командировался для фиксации видов новых российских земель. За десятилетие (с начала 1780-х до 1792 года) он совершил путешествия по побережью Каспийского моря, по Грузии, Армении, Крыму, Малороссии и Молдавии. Большие станковые акварели этого периода — «Вид трех церквей на фоне горы Арарат в Армении» (1783) и «Вид Крепости в Бендерах» (1790). На первой из них изображены архитектурные сооружения Эчмиадзинского монастыря в одном из древнейших городов Армении Вагаршапате, на второй — крепость, расположенная на правом берегу Днестра, которая в 1789 году в ходе Русско-турецкой войны 1787—1791 годов была взята без боя русскими войсками под командованием князя Г.А. Потемкина-Таврического. Именно он угадывается в фигуре изображенного на первом плане высокого человека, в ожидании стоящего на пригорке и смотрящего вдаль.

Пейзаж «Площадь в Херсоне» (1796—1797) Ф.Я. Алексеева — единственная известная на сегодняшний день акварель, исполненная художником в те годы, когда он был направлен в Малороссию и Крым. Алексееву было поручено «снимать виды» местностей, которые посетила Екатерина II во время своего вояжа по югу России в 1787 году. По возвращении он написал четыре масштабных полотна с видами южных городов.

Особый интерес представляют работы А.Е. Мартынова. Акварель «Байкал» (1810) — один из листов серии видов России и Монголии, созданной по натурным зарисовкам из путешествия 1805—1806 годов; художник сопровождал Российское посольство во главе с графом Ю.А. Головкиным в Сибирь, Забайкалье, Монголию и Китай. Серия гуашей «Пейзажи Прибалтики» (1810—1811) связана с поездкой Мартынова на Балтийское побережье летом 1810 года в свите императрицы Елизаветы Алексеевны. Полтора месяца она провела в имении, построенном еще при Екатерине II в местечке Плён (ныне — Плиеньциемс, Латвия) — рыбацком поселке, расположенном в двух километрах от моря. В пейзажах серии запечатлены аккуратные сельские домики с черепичными крышами, фрейлины, прогуливающиеся в лесу и катающиеся верхом и в колясках в сопровождении кавалеров, купальные палатки на берегу.

Живописец, рисовальщик, акварелист Н.Г. Чернецов сопровождал графа П.И. Кутайсова в путешествии по Кавказу в 1829—1831 годах в качестве художника «для снятия видов». Миссия Кутайсова состояла в инспектировании территорий, отошедших к России по Адрианопольскому мирному договору, которым завершилась Русско-турецкая война 1828—1829 годов. Во время этой поездки были исполнены акварели «Вид Пятигорска» (1829) и «Вид Тифлиса» (1830—1831).

В 1833—1836 годах по приглашению генерал-губернатора Новороссийского края графа М.С. Воронцова художник жил и работал в Крыму. Путешествуя по южному побережью, он создал большое количество картин и акварельных этюдов с видами усадеб, парков, церквей, зарисовывал архитектурные памятники. Тщательно исполненные, тонкие и прозрачные работы пользовались успехом, у Чернецова было довольно много заказчиков. Так, акварели «Ялта» и «Крым. Ай-Петри» (обе — 1835) принадлежали князьям Дондуковым-Корсаковым и хранились в их фамильном альбоме, находящемся ныне в собрании Третьяковской галереи.

Любопытна недавно отреставрированная ранняя акварель С.П. Шифляра «Вид реки Чаган» (1806), принадлежавшая владельцу изображенных земель князю А.Б. Куракину. Среди прибалтийских и крымских видов отметим пейзажи известного петербургского архитектора А.И. Штакеншнейдера, исполненные в 1836 и 1844 годах на мызе Фалль — имении графа А.Х. Бенкендорфа близ Ревеля, и его же «Вид дворца в Ореанде» (1852). И замок в имении, и дворец были построены по проектам Штакеншнейдера.

В первой половине XIX века внимание дипломатов и художников приковывали южные страны. Пейзажист М.Н. Воробьев в составе дипломатической миссии Д.В. Дашкова совершил большое путешествие по Малой Азии, островам Греческого архипелага и Ближнему Востоку (1820—1821). На выставке впервые широко экспонировались его многочисленные рисунки и акварели с видами предместий турецкой столицы, греческих островов, древних памятников Смирны и Святой Земли — монохромные сепии, изысканные легкие цветные листы, виртуозные перовые композиции, поражающие мастерством исполнения. Были показаны также акварели и рисунки из путешествия художника в Италию и на остров Сицилия (1845—1846).

На выставке демонстрировались сепии прославленного живописца К.П. Брюллова из его поездки в Турцию. В мае 1835 года, находясь в Италии, он принял приглашение участвовать в организованной В.П. Давыдовым художественно-археологической экспедиции на Ионические острова, в Грецию и Турцию. Однако по дороге Брюллов заболел лихорадкой и был вынужден отстать от своих спутников. Почти умирающего, его застал в Афинах давний знакомый и ученик князь Г.Г. Гагарин. По просьбе князя художника принял на борт русский бриг «Фемистокл», которым командовал В.А. Корнилов — будущий герой обороны Севастополя. Прибыв в Константинополь, в течение нескольких месяцев Брюллов наблюдал своеобразную уличную жизнь огромного восточного города, жадно впитывал экзотическую атмосферу Востока, делал зарисовки, сочинял композиции, среди которых — «Гавань в Константинополе», «Турок, садящийся на коня», «Полдень в караван-сарае».

Специально к выставке были отреставрированы акварели К.И. Рабуса. В начале 1830-х художник предпринял большое путешествие в Турцию и страны Европы. В 1831 году он отправился из Одессы в Константинополь, где благодаря рекомендательному письму к русскому посланнику встретил радушный прием. Рабус получил квартиру в посольстве, ему предоставили проводника и выдали разрешение писать виды города. Яркий, солнечный «Вид Константинополя» — одно из свидетельств этого увлекательного путешествия. Из Константинополя Рабус отправился в плавание по Средиземному морю. Он проследовал вдоль берегов Греции и Италии, где не смог высадиться из-за свирепствовавшей холеры, и прибыл на юг Франции, в Марсель. Затем посетил Австрию и Германию. В числе акварелей, исполненных во время плавания, — романтическая «Лунная ночь в Галлиполи».

В 1840—1843 годах совершили свою первую заграничную поездку братья Чернецовы. Путешествуя около трех лет, они побывали в Италии, Египте, Палестине, Сирии, на острове Родос и в Турции. Среди видов южных стран на выставке экспонировались две натурные акварели, созданные в Египте в 1842 году, — «Сфинкс. У пирамид в Гизе близ Каира» Г.Г. Чернецова и «Мечеть Гама Абумандур в Розетте» Н.Г. Чернецова.

Работы русских художников, созданные в Китае, приоткрывают почти неизвестную широкой публике страницу отечественного искусства. Учрежденная еще в 1713 году российская духовная миссия в Пекине на протяжении 150 лет (до открытия в 1864 году русского посольства) выступала в качестве неофициального дипломатического представительства нашей страны в Китае. Она играла важную роль в установлении и поддержании российско-китайских отношений, являлась центром научного изучения Китая и дала науке целую плеяду известных всему миру русских синологов.

В 1830 году по рекомендации президента Императорской Академии художеств А.Н. Оленина в штат XI духовной миссии был впервые зачислен художник. Им стал А.М. Легашов, которому, как и всем миссионерам, предстояло провести в Поднебесной 10 лет. В составленной для него инструкции говорилось о необходимости приложить все старания к изучению секретов изготовления и употребления китайских красок, славящихся своей прочностью и яркостью. Важная роль отводилась рисованию с натуры, при этом акцент делался на правдивость в передаче этнографических подробностей. В составе миссии А.М. Легашов рассматривался как человек, необходимый для заведения знакомств и поддержания связей со знатными людьми, имеющими возможность влиять на политику императорского двора. Отметим портрет маймаченского дзаргучея (важного чиновника), исполненный еще по дороге в Китай в Кяхте, и портрет племянника императора Хой Бэй-ле, сделанный в Пекине.

Художники находились при российской духовной миссии до 1864 года. В 1840-е годы в Китае побывал К.И. Корсалин, в 1850-е — И.И. Чмутов, в 1860-е — Л.С. Игорев. Созданные Чмутовым рисунок «На улице в Пекине» (1850) и акварель «За стенами Пекина» (1855) получили известность в России уже в 1850-х: литография с рисунка с изображением цирюльника стала одной из иллюстраций к изданной в 1853 году книге Е.П. Ковалевского «Путешествие в Китай», а литография с акварели была напечатана в «Русском художественном листке» в 1858 году.

Страны Европы влекли русских путешественников на протяжении всего XIX века. В собрании Третьяковской галереи хранятся многочисленные рисунки, акварели, пастели, созданные художниками во время пенсионерских и личных поездок и запечатлевшие архитектурные памятники, картины природы и сцены народного быта, наполненные местным колоритом. Экспонировавшиеся на выставке жанровые рисунки и пейзажи Ф.П. Толстого отразили его впечатления от Неаполя, Парижа и Франценсбада во время путешествия 1845—1846 годов. Виды Италии — Рима и его окрестностей, Пестума — представлены в работах братьев А.А. и К.А. Тонов, М.И. Лебедева, Н.Г. Чернецова, С.М. Воробьева, в серии больших акварельных листов пока неизвестного художника середины XIX века, подписывавшего свои работы так: «рисовал с натуры Лебедев». Впервые демонстрировались виды Помпей архитектора С.А. Иванова, младшего брата художника А.А. Иванова, исполненные около 1851 года. На выставке можно было увидеть и пейзажи посещавших Помпеи И.А. Монигетти, И.Н. Крамского и В.И. Сурикова.

Суриков предпринимал неоднократные поездки за границу. Он побывал в Германии, Франции, Италии, Австрии, Швейцарии, Испании. Акварели итальянского цикла 1884 года стали настоящим триумфом художника в области пленэра, цветового и светового решения пространства. Листы из второй поездки в Италию в 1900 году новой манерой письма предвещали будущие достижения мастера в технике акварели. Путешествие Сурикова в Испанию, совершенное в 1910 году вместе с П.П. Кончаловским, было представлено серией акварелей, в которых получил наивысшее выражение принцип работы красочным пятном, делавший их откровенно декоративными. Интересно было сопоставить их с работами Кончаловского, который, по его собственному признанию, учился у Сурикова «мастерству живописного видения».

И все же самой желанной страной для художников-путешественников второй половины XIX — начала XX века оставалась Италия. Они стремились в эту своеобразную мекку искусства, где почти на каждом шагу можно встретить творения знаменитых зодчих, скульпторов, живописцев, памятники античной древности и выдающиеся произведения эпохи Возрождения. Ничуть не меньше привлекали художников и красоты итальянской природы. На выставке демонстрировались акварели П.П. Чистякова, К.Ф. Гуна, В.А. Серова, А.П. Остроумовой-Лебедевой, пастели Н.К. Рериха и А.Н. Бенуа. Украшали экспозицию пастели И.И. Левитана «Вид в окрестностях Бордигеры в Италии» (1890) и «Набережная» (1894).

Франция (и прежде всего Париж) была вторым центром притяжения творческих личностей. В летние месяцы русская колония перемещалась ближе к морю. Бретань — историческая область на северо-западе страны — стала одним из любимых мест А.Н. Бенуа, здесь много работала З.Е. Серебрякова. В деревне Вёль в Нормандии подолгу жили А.П. Боголюбов, И.Е. Репин, В.Д. Поленов, К.А. Савицкий, В.И. Зарубин.

Среди представленных на выставке рисунков и акварелей можно было увидеть пейзажи Германии, Испании, Греции и других европейских стран. Так, экспонировались произведения В.А. Серова из путешествия в Грецию в 1907 году: акварель «Королевский сад в Афинах», зарисовки древних росписей, находившихся в музее Кандии (ныне — Ираклион) на острове Крит. Отметим также серию угольных рисунков П.П. Кончаловского, исполненных в Испании в 1910 году, в итальянском городе Сиене в 1912-м, в Кассисе — портовом городе на юге Франции — в 1913-м. Интересны акварели А.Е. Яковлева «Дом рыбака» и «Пейзаж. Скалы», созданные в 1915 году на острове Майорка. Порой известные мастера являлись зрителям в совершенно неожиданном ракурсе; так, например, А.П. Остроумова-Лебедева почти неузнаваема в своей работе «Сеговия. Вид на Альказар» (1915).

Наряду с темой путешествий по Европе на выставке были продолжены темы поездок художников по странам Африки и Ближнего Востока. Демонстрировались акварельные этюды братьев К.Е. и Н.Е. Маковских, которые неоднократно посещали Египет в первой половине — середине 1870-х годов (Константин работал в это время над сюжетом «Перенесение священного ковра в Каире», одноименная картина (ГРМ) была исполнена им в 1876 году в Париже). Были показаны также большая яркая станковая акварель A.Н. Руссова «Улица в Каире. Полдень» (1896), пастель З.Е. Серебряковой «Базар в Марокко» (1928), акварельные листы В.Д. Поленова из путешествия по Святой Земле и Греции (1881—1882).

Не остались без внимания художников второй половины XIX — начала XX века и просторы Российской империи. В поездках по Волге были исполнены рисунки А.П. Боголюбова «Город Чебоксары на Волге» (1861) и «Гробница Кузьмы Минина» (1869), акварели К.Ф. Гуна «Казанский татарин» (1863), «Деревня» (1874), рисунки и акварели И.Е. Репина «Ширяев буерак на Волге», «Осень на Волге», «Рыбацкие сети. Ширяево» (все — 1870). В замечательном рисунке И.И. Шишкина «Порпорог» (1889), сделанном на желто-коричневой бумаге графитным карандашом и мелом, запечатлен водопад на реке Суне в Олонецкой губернии. На Дальнем Востоке не раз побывал Альберт Бенуа. На выставке экспонировались три его акварели из серии видов 1900-х годов: «Священные утесы на Амуре: “Медведь”, “Собака” и “Охотник”», «Императорская гавань», «Долина Чулышмана». Крупные города прибалтийских губерний России нашли отражение в акварелях М.В. Добужинского «Улица в Вильно» (1906—1907), «Стеклянная улица в Вильно» (1906) и А.П. Остроумовой-Лебедевой «Ревель. Дорога на Вышгород» (1913), в пастели Н.К. Рериха «Рига» (1903). Завершали панораму российских земель Кавказ в акварели В.И. Сурикова «Боржом» (1899) и Крым в рисунках И.И. Шишкина, В.А. Серова, К.Ф. Богаевского, B.И. Сурикова и А.В. Лентулова.

На протяжении полутора веков методы работы художников менялись. В конце XVIII — первой половине XIX столетия большие видовые акварели выполнялись в мастерской по натурным, часто альбомным, зарисовкам и наброскам. Однако уже с 1830-х — 1840-х годов начали появляться станковые пейзажи, исполненные непосредственно с натуры. В дальнейшем это стало обычной практикой. Созданные русскими мастерами образы России и зарубежных стран разных эпох отражают смену художественных стилей, в целом же — складываются в живую и многогранную картину мира, рожденную карандашом, пером и кистью талантливых рисовальщиков.

«Альтернативная история, уфология, паранормальные явления, криптозоология, мистика, эзотерика, оккультизм, конспирология, наука, философия»

Мы не автоматический, тематический информационный агрегатор

Статей за 48 часов: 29
18 +

Каменные шары планеты и НЛО в свете иного восприятия
Александр Жирнов

Подписывайтесь на нас в социальных сетях:

Аномальные зоны
Болезни и мутации
Городские легенды
Древний человек
Загадочные существа
Загадки цивилизаций
Загадки планеты Земля
Загадки человека
Загадочные сооружения
Загробный мир
Круги на полях
Мамонты и динозавры
Мистика и тайны религий
НЛО и пришельцы
Параллельные миры
Полтергейст
Предсказания
Привидения
Путешествия во времени
Снежный человек
Чупакабра
Стихийные бедствия
Тайны истории
Тайны пирамид
Тайны космоса
Теории заговоров
Футуристика
Чудеса науки
Чудо-люди
Искусственный интеллект
Альтернативная история
Разное
Авторские статьи

Вы: очевидец, автор, исследователь ?

От Уинслоу до Серебряковой: курортная жизнь глазами известных художников

Курортная жизнь — это особая атмосфера, жизнь, наполненная только ей присущими впечатлениями, звуками, запахами, цветом и светом. Во все времена художники стремились запечатлеть это короткое, но очень яркое время.

В обзоре журнала об искусстве Точка ART — курортная жизнь XIX-XX веков в картинах известных художников.

Клод Моне «На досках в Трувиле»

Моне множество раз изображал на своих картинах трувильские пляжи, окрестные морские пейзажи и сам прелестный курортный городок, и картина «На досках в Трувиле» является типичной для творчества художника начала 1870-х.

Пляж, солнце, синее небо с легкими облаками, этот прекрасный солнечный день просто создан для неспешных прогулок по дощатому променаду, проложенному вдоль пляжа. Этот пейзаж французского импрессиониста входит в число редких работ Моне, которые никогда не показывались широкой публике. С 1883 по 1997 годы картина принадлежала семье Фрейдов, членами которой был основатель психоанализа Зигмунд Фрейд и художник Люсьен Фрейд, и не выставлялось по желанию владельцев. Впервые картина была выставлена в 2014 году в парижском музее Мармоттан-Моне, вместе с малоизвестными работами Камиля Писсаро и Альфреда Сислея.

Хомер Уинслоу «Папа идет!»

Американский художник и график Хомер Уинслоу считается основоположником американского реализма, оказав влияние на последующее развитие американской живописи. Уинслоу был замечательным мастером морских пейзажей, все его творчество посвящено взаимоотношениям человека и морской стихии. Герои его картин живут рядом с морем и зависят от него — рыбаки, выходящие в своих лодках на ловлю крабов, женщины, ремонтирующие сети, чистящие рыбу и ждущие своих мужей на берегу. В ранний период творчества Уинслоу задумывался над взаимоотношением человека и моря, более поздние его картины показывают драматизм непосредственно самой стихии.

Лето 1873 года Уинслоу провел в Глостере, штат Массачусетс. В воскресенье, 24 августа, на море случилась особенно сильная буря, которая разбила девять лодок и унесла жизни 128 человек. Этот драматический момент послужил основой для картины «Папа идет!». Жизнь рыбака всегда была опасной, а ураганы и трагедии оставались в памяти женщин и детей навсегда. Можно предположить, что мальчик в соломенной шляпе, пристально вглядывающийся в уже успокоившееся море, вскоре сам окажется в одной из рыбацких лодок, а на берегу его кто-то так же будет ждать.

Жорж Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт»

«Он отвлекся и от обыденного, и от поэтического взгляда на вещи и перешел в область «чистой и почти абстрактной гармонии».

«Воскресный день на острове Гранд-Жатт» — не только самая известная, но и самая большая картина художника — 207×308 см. Американский историк искусства и критик Линда Ноклин считала этот шедевр родоначальника пуантилизма Жоржа Сёра своего рода антиутопией, «мастерским изображением разочарованного ожидания чего-то и бессмысленности «сладкого ничегонеделанья». А немецкий философ Эрнст Блох назвал картину «Мозаика скуки». Что касается современников Сёра, то они использовали эпитеты «бедлам», «скандал» и «веселье», именно такими словами встречая одну из самых замечательных картин XIX века на выставке в Париже.

Сёра работал над картиной в течение двух лет, делая многочисленные эскизы и наброски маслом, с почти научной точностью решая вопросы цвета, света и формы, каллиграфически накладывая крошечные мазки, образуют единый, более яркий светящийся оттенок. В итоге, разместив всех персонажей, ему удалось запечатлеть на холсте остановившееся время.

Чарльз Кондер «Выходные в Ментоне»

В конце XIX века австралийские художники увлеченно искали средства художественного выражения, которые помогли бы адаптировать язык современного европейского импрессионизма к австралийскому ландшафту. Этот процесс дал поразительные и оригинальные результаты.

Во второй половине 1880-х годов австралийские импрессионисты вдохновлялись лесами штата Виктория, пригородами Мельбурна (в частности, в одном из таких пригородов, Гейдельберге, возникло одноименное художественное объединение, ключевой фигурой которого был Чарльз Кондер), Канберры, Сиднея, природой Нового Южного Уэльса, пляжами Куджи и Ментона.

«Выходные в Ментоне» стали первой картиной Кондера, написанной им по возвращении из Сиднея в Мельбурн. Одна из самых известных картин художника заслуженно считается шедевром австралийского импрессионизма, а ведущий куратор австралийского искусства Национальной галереи Виктории называет ее «высокопарной, почти сюрреалистичной», но композиционно и эмоционально «блестящей, великолепно солнечной, как сама Австралия».

Петр Нилус (Словецкий) «На мостике. Лето»

«Если живопись вообще деликатна, как пыльца на крыльях бабочки, то марина (морской пейзаж — ред.) — это совсем нерукотворная вещь; не удалось в час — ничего не выйдет, хоть бейся месяц…» Так считал Петр Нилус, выдающийся южнорусский живописец и график, ученик Констанди и Репина.

Становление Нилуса как художника прошло в Одессе, где он закончил Художественную школа, а продолжить обучение в 1889 году отправился в Санкт-Петербург, в Академию Художеств. Учеба в столице была недолгой: Илья Репин, будучи его наставником, рекомендовал молодому художнику побыстрее начать выставочную деятельность и вернуться в родной город, где уже набирало обороты Товарищество Южнорусских художников.

На одесский период творчества Нилуса большое влияние оказали импрессионисты, с которыми художник познакомился во время поездки в Париж. Именно в конце 90-х годов XIX века он пишет морские пейзажи и небольшие жанровые картины, многие из которых посвящены Одессе. «На мостике» — одна из них. Близкий друг Нилуса, Иван Бунин называл художника поэтом живописи.

Константин Коровин «Пристань в Гурзуфе»

За спиной сидящей на веранде кафе женщины виден характерный крымский пейзаж: горы, море, парусная яхта выходит из бухты, по живописному склону Дженевез-Кая прямо к морю сбегают разноцветные домики. Свет — стихия художника — и именно через него он передает настроение южного жаркого летнего дня.

В живописи Коровина, одного из крупнейших представителей русского импрессионизма, свет — такой же непосредственный выразитель чувств, как звук в музыке. Коровин говорил: «Я пишу для тех, кто умеет радоваться солнцу, бесконечному разнообразию красок, форм, кто не перестает изумляться легко меняющейся игре света и тени».

Коровин считал, что только «краски и форма в своих сочетаниях дают гармонию красоты». И Крым давал художнику возможность в полной мере проявлять свой удивительный дар колориста.

Норман Роквелл «Содовая»

Норман Роквелл — культовый американский художник и иллюстратор, на рисунках которого выросло целое поколение. Роквелл не просто рисовал, он рассказывал истории, показывал миру повседневную жизнь в мельчайших подробностях, всегда изображая своих героев —будь то «Девочка с синяком под глазом» или «Продавщица в канун Рождества» — с большой симпатией, которой неминуемо проникался и зритель.

Идею «Содовой» Роквелл взял из рассказов своего сына, который работал в летнем кафе. Девочки любили приходить в кафе явно не ради содовой и мороженого, а ради бесед с веселым продавцом за стойкой. Парень в углу картины смотрит на беседующих с явной обидой и завистью, он тоже хотел бы так же непринужденно болтать и весело проводить время, но его не приглашают в компанию.

Обаятельные и ироничные рисунки Роквелла — это своеобразная ностальгия по «золотой эпохе» 50-х годов прошлого века, а еще — по детству, когда еще так просто верить в добро.

Александр Дейнека «В Севастополе»

Александр Дейнека — уникальный художник: в его творчестве было как минимум три совершенно разных стилистических периода; действительность 1920-х, 1930-х, 1940-1960-х годов диктовала ему свои жестокие правила, в рамках которых Дейнека находил возможность не менять вектор своего творчества.

Будучи истинным певцом соцреализма, Дейнека идеализировал и романтизировал мир советской реальности, страшная нужда и суровые условия жизни трансформировались на его картинах в подвиг, достаточно вспомнить его женщин, волокущих неподъемные тачки и с радостными улыбками выполняющих самые тяжелые работы на стройке новых цехов.

Люди Дейнеки не только тяжело трудились, они занимались спортом, культивировали здоровый образ жизни, отдыхали. Севастополь в творчестве Дейнеки занимает особое место и неоднократно появляется на его картинах, достаточно вспомнить одну из самых известных его картин — «Оборона Севастополя» (1942). Но Севастополь, залитый солнцем, с его «презагорелыми, с фиолетовым отливом» мальчишками, отдыхающими, строгими набережными и сверкающим морем, пленил художника еще в середине 30-х годов во время командировки в Крым. Отдых советского человека на морском побережье мы видим и на акварели «Севастополь. Водная станция Динамо» (1934) и на картине 1959 года «В Севастополе».

Зинаида Серебрякова «Пляж с зонтиками»

Зинаида Серебрякова жила и работала во Франции сорок три года, и период с 1924 по 1939 год стал расцветом французского периода ее творчества. Каждое лето Серебрякова старалась уехать из Парижа, использовала любую возможность и малейший повод, чтобы сын Александр и дочь Екатерина побывали на море. Да и для самой художницы поездка на море — это еще один мотив для работы.

В 1931 году в художница оказалась в Ментоне, курортном городе на Лазурном берегу, где создала большой цикл зарисовок, объединенных общей темой — «Пляж». Наброски, запечатлевающие быстро меняющуюся курортную жизнь, кажутся кадрами из фильма, в каждом — свой акцент: море, люди, дочь Катя в купальнике, зонтики, коляска, раздевалка, фигура с полотенцем. Отдыхающие беседуют на берегу, купаются в море, сидят в шезлонгах.

Такое большое количество пляжных зарисовок говорит, возможно, о том, что Серебрякова планировала написать произведение, продолжающее тему «ню», а, может, чувствуя все нарастающий динамизм жизни ХХ века, хотела «поймать» его в этой серии.

Читайте также: