Полуденный отдых картина милле
На этой картине мы видим молодую пару, которая совершает молитву на закате солнца. Они собрали картофель и уложили его в корзину, но радости по поводу урожая эти люди совсем не испытывают. Состояние их кажется подавленным, в воздухе чувствуются тоска и безнадёжность. Какая же трагедия скрывается за обычным сбором картофеля?
Жан-Франсуа Милле «Анжелюс», 1859 год Жан-Франсуа Милле «Анжелюс», 1859 годПолотно называется «Анжелюс». Оно было создано по заказу американского художника Томаса Эпплтона, который был очарован «Сборщицами колосьев» Милле. Однако Эпплтон так и не выкупил картину по неизвестным причинам. Автор выставил её на продажу спустя два года, получив за работу всего тысячу франков.
Вскоре картина «Анжелюс» стала такой популярной, что её репродукция появилась во многих домах Франции. Через 30 лет за покупку полотна развернулась нешуточная борьба. За право обладания им соперничали американские торговые агенты и французский меценат Антуан Пруст, желающий поместить картину в Лувр. В итоге «Анжелюс» остался во Франции. Сегодня он украшает Музей Орсе в Париже.
Секрет сюжета
Картина называется по первому слову молитвы Angelus Domini («Ангел Господень»), которую католики читают трижды в день. На полотне изображено время вечерней молитвы, которое крестьяне определяли по колокольному звону. По сюжету молодая пара благодарит Бога за хороший урожай, за то, что все здоровы и за то, что солнце восходит каждый день.
Картину очень любил Сальвадор Дали, который вдохновлялся ей при создании своих работ. Однако мастер обратил внимание на чрезмерную грусть крестьян, не характерную для молитвы. Ему показалось странным, что во время благодарности Богу мужчина и женщина так подавлены.
Полуденный отдых картина милле
История одного шедевра запись закреплена
«Полуденный отдых от работы» (по картине Жана Франсуа Милле), Винсент Ван Гог
ан Франсуа Милле (1832-1883)- французский художник, один из основателей барбизонской школы. Признанный мастер в изображении сельского быта. Он писал крестьян со знанием и глубиной, проникновенно напоминая о религиозных образах. Винсент Ван Гог находился под сильным влиянием монументальной простоты фигур Милле, с их характерными позами и жестами.
Крестьянское творчество Жана-Франсуа Милле служило Ван Гогу примером для подражания и постоянным предметом размышлений. Можно сказать, что живопись этого мастера во многом повлияла на художественное мышление Ван Гога. Еще в 1875 году Винсент украсил стены своей комнаты гравюрами с рисунков серии «Четыре времени года» Милле.
А в ноябре 1889 – январе 1890 года, находясь в лечебнице Сен-Реми, он пишет по этим гравюрам серию больших живописных полотен. Однако эти работы вряд ли можно назвать копиями. Переводя работы на язык красок, художник наполнял мотивы личными чувствами и впечатлениями.
"Чем больше я обо всем этом думаю, тем явственнее вижу, насколько оправдано копирование тех вещей Милле, которые он не успел сделать маслом. К тому же работу по его рисункам и гравюрам на дереве нельзя считать копированием в узком смысле слова. Это скорее перевод на другой язык, язык красок, впечатлений, создаваемых черно-белой светотенью."
"А знаешь, повторение в цвете рисунков Милле может оказаться очень интересным делом, из них легко составить совершенно исключительную коллекцию копий, вроде работ Прево, копировавшего малоизвестные работы Гойи и Веласкеса для г-на Дориа. Допускаю, что, занимаясь этим, я принесу больше пользы, чем даст моя собственная живопись."
"Мне очень хочется, чтобы в школах висели репродукции Милле: если дети будут видеть прекрасное, среди них всегда найдутся будущие художники."
"Я уже скопировал семь из десяти «Полевых работ» Милле. Уверяю тебя, мне безумно интересно делать копии, поскольку сейчас у меня нет моделей, я при помощи этих копий не заброшу работу над фигурой. К тому же они послужат декорацией для мастерской, где буду работать я сам или кто-нибудь другой."
"Мне кажется, что делать картины по рисункам Милле означает скорее переводить их на другой язык, нежели копировать".
Галерея изобразительного искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура.
Полуденный отдых, 1866 г. —
Милле Жан-Франсуа — Полуденный отдых, 1866 г.
Карандаш, пастель, бумага; 29,2 x 41,9 см.
Музей изящных искусств.
Бостон.
Франция.
Полуденный отдых картина милле
5,845 Followers, 517 Following, 609 Posts - See Instagram photos and videos from Артхив (@artchiveru)
добавлена 30 июня 2019 в 21:47
Птицы одного полёта. Совать палки в колёса. Сидеть как на иголках. Мы все знаем и употребляем эти поговорки. Иногда ироничные, часто несерьёзные и забавные, эти высказывания – индикат.
добавлена 30 июня 2019 в 20:28
Роман Эдварда Мунка и Туллы Ларсен длился всего 4 года. Он был мучительным, болезненным, разрушительным для обоих. И, конечно, значительно повлиял на живопись Мунка, на женские образы в его работах.
добавлена 30 июня 2019 в 14:24
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи – самое ценное сокровище Лувра – переедет и проведёт это лето в компании картин Рубенса . 17 июля панель покинет «свою» Большую галерею, где хранятся картины итальянског.
добавлена 30 июня 2019 в 14:19
Откуда картины и стоит ли ждать от фильма достоверности?
По сюжету Томас Краун крадёт картину Моне из нью-йоркского Метрополитен-музея. Но музей не пустил киношников в свои залы — поэтому пришлось обходиться павильонами и реальными интерьерами Нью-йоркской публичной библиотеки. Администрацию музея можно понять. Во-первых , от съёмочной группы слишком много суеты ( а суета , как показано в фильме, — как раз отличная почва для успешных похищений). Во-вторых , кому же захочется засветиться в кино в образе музея , в котором бандиты и аферисты чувствуют себя как дома?
Развешивать в фальшивом музее копии картин из Метрополитен тоже не стали: дальше вы увидите , что в фильме в качестве экспонатов воображаемого музея появляются картины , подлинники которых хранятся не просто в разных художественных заведениях , но даже в разных странах , на разных континентах.
В кадре появляются десятки картин. Но искать скрытые смыслы в том , какие именно полотна нам показывают , не стоит. Режиссёр этого фильма Джон МакТирнан не тот человек , который станет морочить голову себе и зрителям мудрёными аллюзиями. Его конёк — бойкое развлекательное кино. МакТирнан — режиссёр « Хищника» с Арнольдом Шварценеггером и двух серий « Крепкого орешка» ( 1-й и 3-й) с Брюсом Уиллисом. Он не умничает , он делает увлекательно и красиво.
Копии знаменитых полотен для съёмок « Аферы Томаса Крауна» были созданы в мастерской « Картины Трубецкого» ( Troubetzkoy Paintings Ltd.). Эту нью-йоркско-парижскую фирму в 1970-х открыл Арно Трубецкой — сын князя Игоря Трубецкого ( русского эмигранта , известного автогонщика) и племянник французского актёра Юкки Трубецкого. На фирму работали профессиональные художники , у которых были ловкие руки , но не было фантазии , чтобы писать собственные произведения. Реплики шедевров , созданные фирмой , поставлялись для интерьеров дорогих отелей и в киноиндустрию.
Написанные в фирме Трубецкого копии и оригинальные работы также можно увидеть в таких фильмах , как « Голубоглазый Микки» ( 1999 , герой Хью Гранта играет там управляющего аукционным домом), «Американский президент» ( 1995 , картины украшают интерьеры Белого дома), «Эпоха невинности» ( 1993 , события разворачивают в богато декорированных картинами гостиных конца 19-го века).
"Афера Томаса Крауна": самый подробный гид по картинам из фильма
Как Ван Гог копировал чужие шедевры
Как и для чего Винсент Ван Гог копировал картины Милле, Делакруа, Доре и даже Рембрандта? Рассказываем в этой статье.
Винсент Ван Гог в наши дни знаменит двумя вещами. Во-первых, своей плодовитостью и темпами работы: всего за 10 лет он создал 2100 произведений искусства. А, во-вторых, своими проблемами с психикой. Знаменитый инцидент с ухом стал катализатором того, что художник попал в психиатрическую больницу при Сен-Реми, в которой прожил год без возможности работать на пленэре. Из-за нехватки живых моделей художник многократно прибегал к копированию шедевров других мастеров, которыми восхищался и репродукции картин и гравюр которых ему присылал в больницу брат Тео. Большинство копий, о которых сегодня пойдёт речь, относятся именно к этому периоду творчества Ван Гога, но также мы расскажем о работах, созданных художников в Париже и Арле.
Ван Гог и Эжен Делакруа
Копию картины Эжена Делакруа «Добрый самаритянин» Ван Гог сделал в мае 1890-го года. Картина отражена зеркально, что говорит о том, что, возможно, она была скопирована с гравюры. Хотя сюжет детально повторён, копия Ван Гога отличается авторской манерой художника. Также Ван Гог использует совсем другие оттенки, нежели Делакруа: вместо тёплых коричневых и красных – более яркие охристый жёлтый и голубой. Сюжет работы вдохновлён библейской притчей, согласно которой добрый человек из Самарии (поэтому картина и названа «Добрый самаритянин») остановился, чтобы помочь раненому мужчине, лежащему у края дороги, тогда как другие проходили мимо.
Винсент Ван Гог, «Добрый самаритянин», 1890, 73 х 60 см, Музей Креллера-Мюллера. Эжен Делакруа, «Добрый самаритянин», 1849, 37 х 30 см, частная коллекция. Винсент Ван Гог, «Добрый самаритянин», 1890, 73 х 60 см, Музей Креллера-Мюллера. Эжен Делакруа, «Добрый самаритянин», 1849, 37 х 30 см, частная коллекция.Ван Гог и Гюстав Доре
Другую знаменитую копию Ван Гог создал, находясь на лечении в психиатрической больнице Святого Павла, расположенной в бывшем монастыре Сен-Реми. В письмах художник просил своего брата прислать ему другую гравюру – «Каторга» Регаме, но, не получив её, использовал в качестве референса работу Гюстава Доре. Оригинальная гравюра изображает «парад заключённых» в Нью-Гейтской тюрьме: преступники многократно проходили перед сыщиками по кругу, чтобы те могли запомнить лица осуждённых. Ван Гог использует этот сюжет, но его картина символизирует «замкнутый круг» жизни. Картина выполнена в мрачной сине-зелёной гамме, лица заключённых едва различимы, кроме одного – в герое угадываются черты самого художника, который скорее всего отождествлял себя с заключёнными, находясь на лечении в закрытой больнице.
Винсент Ван Гог, «Прогулка заключённых», 1890, 80 х 64 см, холст, масло, Музей Пушкина, Москва. Гюстав Доре, «Острог», 1872, гравюра для книги Б. Жерральда «Лондон». Винсент Ван Гог, «Прогулка заключённых», 1890, 80 х 64 см, холст, масло, Музей Пушкина, Москва. Гюстав Доре, «Острог», 1872, гравюра для книги Б. Жерральда «Лондон».Ван Гог и Франсуа Милле
Ещё одним художником, которым восхищался Ван Гог и чьи картины копировал, был Франсуа Милле. Именно в нём Ван Гог чувствовал «родственную душу» из-за того, что Милле стремился как можно более реалистично изображать жизнь крестьян. Эта тема, как известно, была близка и Ван Гогу. Взяв за основу картину Милле, выполненную пастелью, Ван Гог создал копию, которая в последствии многократно превзошла по популярности оригинал. Используя авторскую технику нанесения крупных мазков и яркий излюбленный контраст небесно-голубого и охры художник создал совершенно новое прочтение сюжета, который использовал Милле.
Другая известная картина Ван Гога также скопирована с работы Милле. На этот раз художник был буквально одержим этой идеей и создал не одну, а множество копий. В начале Ван Гог копировал Милле дословно, но позднее, находясь в Арле в июне 1888 года и, видимо, вдохновившись жарким солнцем южной провинции Франции, художник добавляет фигуру сеятеля в собственную авторскую картину и… создаёт знаменитый шедевр. В отличие от картины Милле, где центром композиции является человек, у Ван Гога центральная фигура картины – ярко-жёлтое солнце. На заднем плане художник рисует колосящуюся пшеницу – символ жизненного цикла.
Винсент Ван Гог, «Сеятель», 1888, 64,2 х 80,3 см, холст, масло, Музей Креллера-Мюллера. Франсуа Милле, «Сеятель», 1850, 101,6 х 82,6 см, холст, масло, Музей изящных искусств, Бостон. Винсент Ван Гог, «Сеятель», 1888, 64,2 х 80,3 см, холст, масло, Музей Креллера-Мюллера. Франсуа Милле, «Сеятель», 1850, 101,6 х 82,6 см, холст, масло, Музей изящных искусств, Бостон.Ван Гог и Рембрандт
Еще одним художником, вошедшим в «пантеон» вдохновителей Ван Гога, был Рембрандт ван Рейн (1606-1669). Копию картины «Воскрешение Лазаря» Ван Гог создаёт, находясь опять же в больнице при Сен-Реми. При этом картина знаменитого голландца не является точной копией, многие детали в ней изменены. Так, опущена центральная фигура работы Рембрандта – Иисус Христос. В облике Лазаря угадываются черты самого Ван Гога, а скорбящих сестёр художник писал со своих реальных знакомых из Арля. На задний план картины Ван Гог помещает излюбленные им пшеничные поля и солнце, полностью переосмыслив тему картины – человеческие страдания.
Винсент Ван Гог, «Воскрешение Лазаря», 1890, 50 х 65,5 см, холст, масло, Музей Ван Гога, Амстердам. Рембрандт ван Рейн, Воскрешение Лазаря, 1632, 36,7 × 25,8 см, гравюра, Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк. Винсент Ван Гог, «Воскрешение Лазаря», 1890, 50 х 65,5 см, холст, масло, Музей Ван Гога, Амстердам. Рембрандт ван Рейн, Воскрешение Лазаря, 1632, 36,7 × 25,8 см, гравюра, Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк.Ван Гог и Утагава Хиросигэ
«Все мои работы в какой-то степени основаны на японском искусстве», - писал Ван Гог своему брату Тео 15 июля 1888 года. Художник открыл для себя японские гравюры во время пребывания в Париже, и это оказало огромное влияние на его творчество. Он восхищался минималистичными композициями, яркими цветами, отсутствием линейной перспективы и необычной точкой зрения, которой отличались японские мастера. Из всех произведений искусства, которые копировал Ван Гог, именно изучение японских гравюр оказало на него наибольшее влияние. Он объединил все упомянутые выше элементы и смешал их с западными идеями, чтобы создать свой собственный уникальный стиль.
Ван Гог скопировал несколько гравюр японского художника-графика Утагавы Хиросигэ, часто комбинируя элементы из разных произведений, чтобы придать им более экзотический вид.
Винсент ван Гог, «Мост под дождем», 1887, 73,3 х 53,8 см, холст, масло, Музей Ван Гога, Амстердам. Утагава Хиросигэ, «Вечерний дождь в Атаке на Великом мосту», 1857, 22,6 см х 33,8 см, Музей Ван Гога, Амстердам. Винсент ван Гог, «Мост под дождем», 1887, 73,3 х 53,8 см, холст, масло, Музей Ван Гога, Амстердам. Утагава Хиросигэ, «Вечерний дождь в Атаке на Великом мосту», 1857, 22,6 см х 33,8 см, Музей Ван Гога, Амстердам.Копии Ван Гога
Рассматривая работы, которые Ван Гог выбрал для копирования, мы не можем уличить художника в плагиате, но можем увидеть творческое переосмысление гения. Его версии оригиналов произведений отличаются узнаваемой авторской манерой Ван Гога и демонстрируют различные настроения, в которых пребывал художник во время работы. Так, копии, созданные в Париже или Арле, носят более оптимистичный характер, тогда как картины, созданные в Сен-Реми, посвящены теме человеческих страданий, что подчёркивает внутренние переживания самого Ван Гога, находящегося на лечении в больнице.
Провожаем осень и собираем урожай вместе с известными художниками
Осень — это не только одно из самых красивых, но и самое плодородное, урожайное время года. Тема сбора урожая, людей за работой в целом и крестьянского труда в частности нашла отражение в фольклоре, литературе и живописи. Журнал Точка ART собрал живописные произведения, создатели которых воспевали труд людей и результат этого труда.
Густав Курбе «Веяльщицы»
В 1850-х годах Густав Курбе, один из крупнейших представителей французского реализма, написал серию картин, изображающих жизнь крестьян Орнана, к которой относятся и «Веяльщицы». В этой серии Курбе изображал самые сложные аспекты сельской жизни, максимально реалистично изображая трудящихся бедняков, вступая в диалог с другим знаменитым французом, барбизонцем Жаном-Франсуа Милле.
Густав Курбе «Веяльщицы», 1854 © Musée des Beaux-Arts, Nantes Густав Курбе «Веяльщицы», 1854 © Musée des Beaux-Arts, NantesВ отличие от суровых картин Милле, «Веяльщицы» Курбе более пасторальны. Крестьянки за работой очаровательны в своей простоте; вся картина пронизана ярким светом. Поль Сезанн, будучи поклонником Курбе, был в восторге от картины и в одном из писем отмечал: «Заливающий все вокруг желтый свет; большое рыжеватое покрывало, расстеленное на полу; облака пыли, поднимающиеся над зерном; локон, ниспадающий на шею одной из женщин, как на самых чувственных полотнах Веронезе; и руки — эти руки цвета топленного молока, вытянутые руки крестьянки — гладкие, как прибрежные камни… Какое же все здесь насыщенное и зернистое! Сколько во всем этом жизни! Это действительно впечатляет!».
Жан-Франсуа Милле «Сборщицы колосьев»
Французский художник Жан-Франсуа Милле — один из основателей барбизонской школы, почти все свое зрелое творчество посвятил теме крестьянства. Он и про себя говорил — «Я крестьянин и ничего больше». «Сборщицы колосьев» — одна из самых известных работа мастера, и кульминация десятилетней работы над крестьянской темой. В ней Милле выразил нечто большее, чем просто живописное изображение давнего, почти забытого обычая, когда женщины из бедных семей собирали обрезки колосьев, оставшиеся после уборки поля. Он очень точно подчеркнул классовый разрыв, ловко используя контраст между светом и тенью, между изобилием и дефицитом: согнутые темные фигуры на переднем плане и теплый пасторальный фон, со стогами сена, телегами и снопами пшеницы — приметами богатого урожая.
Жан-Франсуа Милле «Сборщицы колосьев», 1857 © Muséed’Orsay, Paris Жан-Франсуа Милле «Сборщицы колосьев», 1857 © Muséed’Orsay, ParisВ этой картине Милле использует характерный живописный прием — лица и руки крестьянок, обожженные солнцем, по цвету почти неотличимы от земли, с которой собирают колосья. Своей «документальностью», сосредоточенностью на изображении низших слоев сельского общества, Милле заслужил неодобрение представителей среднего и высшего классов, которые обвиняли художника в желании «оскорбить утонченный вкус публики».
Григорий Мясоедов «Страдная пора. Косцы»
Картина Григория Григорьевича Мясоедова была представлена на 15-й выставке «Передвижников», открывшейся в феврале 1887 года в Петербурге, и прямо с экспозиции была приобретена императором Александром III. В 1886 году Мясоедов, считая себя «достаточно опытным в пейзаже», пришел к идее о создании эпического полотна, не только включающего в себя пейзаж с золотым полем ржи на фоне летнего неба, как это исполнено на картине «Дорога во ржи», написанной художником пятью годами ранее, но и воспевающего труд крестьян, занятых на уборке хлебного урожая
Григорий Мясоедов «Страдная пора. Косцы», 1887 © Государственный Русский музей Григорий Мясоедов «Страдная пора. Косцы», 1887 © Государственный Русский музейТема крестьянского труда волновала многих русских художников, но никто до Мясоедова не решил ее в таком оптимистическом ключе. Впечатление объединившего людей трудового подъема, яркого летнего дня, буйного цветения природы, шири русских полей создает живую атмосферу деревенской страды. Здесь есть и присущая крестьянину истовость в полевой работе, и величественная красота пейзажа, и выраженная в словно вырастающих из колосьев фигурах крестьян гармония человека и природы.
Камиль Писааро «Сборщики яблок в Эраньи сюр-Эпт»
В апреле 1884 года Камиль Писсарро поселился в деревне Эраньи-сюр-Эпт, расположенной между Парижем и Дьеппом. Здесь он прожил последние двадцать лет жизни, здесь написал множество великолепных пейзажей и жанровых сцен. В этот период Писсарро, с одной стороны, очарованный пуантилизмом, с другой — увлеченный идеей просвещения публики, пишет картины, изображающие людей на работе или дома в реалистичной обстановке, пишет в максимально реалистичной манере, не идеализируя их жизнь.
Камиль Писааро «Сборщики яблок в Эраньи сюр-Эпт», 1888 © Dallas Museum of Fine Arts, Dallas, Texas, USA Камиль Писааро «Сборщики яблок в Эраньи сюр-Эпт», 1888 © Dallas Museum of Fine Arts, Dallas, Texas, USAВ «Сборщиках яблок в Эраньи сюр-Эпт», нанося на холст точки красного, синего, зеленого, розового, лавандового, оранжевого и желтого цветов, Писарро создал стилизованную, тщательно сбалансированную сцену сбора яблок во французской провинции. Эти точки, а также маленькие мазки чистого, яркого цвета создают ослепительный эффект яркого полуденного солнца.
Пьер-Огюст Ренуар в 1882 году назвал творчество Писсарро того периода «революционным» в своей попытке изобразить «простого человека». Сам же Писсарро, не используя свое искусство для пропаганды какой-то одной идеи, предполагал, что картины, изображающие скромный быт простого народа, будут интересны его клиентам из высшего сословия.
Эмиль Клаус «Сбор урожая свеклы»
Появление крестьянской темы в творчестве Эмиля Клауса, знаменитого бельгийского пост-импрессиониста и родоначальника люминизма, не случайно: он был двенадцатым ребенком в семье лавочника, и знал эту жизни изнутри. Вопреки воле отца, который хотел видеть сына кондитером, Клаус все же стал живописцем и добился большого признания. В конце XIX века, обосновавшись на родине в Дейнзе, Клаус не оставил активную переписку с французскими художниками, скульпторами и писателями, открывая для себя импрессионизм. Это направление оказалось настолько созвучным художнику, что он полностью поменял свою живописную манеру. К поворотному этапу творчества художника относится и работа «Сбор урожая свеклы».
Эмиль Клаус «Сбор урожая свеклы», 1890 © Musée de Deinzeet du pays de la Lys, Deinze Эмиль Клаус «Сбор урожая свеклы», 1890 © Musée de Deinzeet du pays de la Lys, DeinzeВ это картине Эмиль Клаус, будучи первоклассным пейзажистом и великим наблюдателем природы, мастерски интегрируя в пейзаж фигуры людей. Клаус, как и Курбе и Милле, выступает беспристрастным наблюдателем, не интерпретируя действительность, показывая ее честно и без прикрас: мы видим мерзлую земля, фермеров, собирающих сахарную свеклу, на их лицах запечатлены следы изнурительного труда.
Татьяна Яблонская «Хлеб»
Эта одна из наиболее известных, и одна из самых неоднозначно воспринятых картин Татьяны Яблонской был написана ею летом 1948 года в украинском селе Летава. Здесь художница провела четыре месяца, с июня по сентябрь, сделав около 300 рисунков и этюдов, стараясь «передать дружную энергию работы, пафос коллективного труда». «Мне хотелось создать большой монументальный образ, хотелось сделать картину очень живой, полной движения, звона и солнечного света. Но в то же время очень устойчивую, сильную и весомую, передающую значительность изображаемого. Я добивалась в композиции неповторимой жизненности и как бы случайности и свежести момента с ясной простотой и закономерностью композиционного замысла», — так говорила Яблонская о своей работе. Картина писалась в первые послевоенные годы, когда страна поднималась после опустошительной войны, но она показывает не столько подвиг людей, сколько «счастье и радость труда».
Татьяна Яблонская «Хлеб», 1949 © Государственная Третьяковская галерея Татьяна Яблонская «Хлеб», 1949 © Государственная Третьяковская галереяАркадий Пластов «Сбор картофеля»
Аркадий Александрович Пластов без преувеличения был живописным летописцем жизни деревни, причем, не выдуманной деревни, а родной Прислонихи. Здесь был его источник вдохновения — односельчане, дом, природа. Социалистический реализм Пластова — это художественная правда о настоящей жизни настоящего русского крестьянина, с трудностями, трудом, радостями, взрослыми заботами и детскими играми.
Аркадий Пластов «Сбор картофеля», 1956 © Государственный Русский музей Аркадий Пластов «Сбор картофеля», 1956 © Государственный Русский музейВсе творчество Пластова было пронизано неиссякающим восхищением жизнью во всех ее проявлениях. «Надо, чтобы человек непреходящую, невероятную красоту мира чувствовал ежечасно, ежеминутно. И когда поймёт он эту удивительность, громоподобность бытия, — на всё его тогда хватит: и на подвиг в работе и на защиту Отечества, на любовь к детям, к человечеству всему. Вот для этого и существует живопись…», — вспоминал художник.
И даже в тяжелом труде женщин, собирающих картофель, художник видел красоту и восхищался ею: «Зрелище, когда распахнутая лемехом земля, вдруг явит доселе скрытые перламутровые плоды, и удивительно цветные фигуры баб, собирающие их, грубыми руками в вёдра, и многое, многое иное, всё было торжественно и красиво».
5 картин, которым в "Афере Томаса Крауна" достались большие роли
1. Картина , которую Томас Краун похищает
Это «Сан-Джорджо Маджоре в сумерках» Клода Моне . Оригинал на самом деле — в Национальном музее в Кардиффе ( Уэльс , Великобритания). Похожая картина есть в Токио.
. Дети зевают. И тогда учительница сообщает им главное: «Эта картина стоит 100 миллионов баксов!».
Об импрессионизме вы наверняка знаете очень много: и фамилии художников-корифеев назовете, и в музее запросто отыщете зал, где мерцает водная гладь и один и тот же мотив написан в разное время суток, и про скандал на первой выставке наверняка вспомните, и даже Моне от Мане отличите. А значит, пора переходить на следующий уровень: все, что вы еще хотели узнать об импрессионизме. Читать дальше начался с другой картины Моне — она называется « Впечатление. Восход солнца» и написана за 36 лет до «Сумерек»! Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 1872. Музей Мармоттан-Моне, Париж Клод Моне. Сан-Джорджо Маджоре в сумерках, Венеция. 1908Кристофер Мур , совладелец Troubetzkoy Paintings Ltd., после выхода фильма рассказывал , что его создатели осознанно проигнорировали факты и на роль первой импрессионистской картины взяли « Сан-Джорджо Маджоре в сумерках» — просто потому , что эта вещь в кадре смотрится эффектнее , чем « Восход солнца».
Сегодня самая дорогая картина — «Спаситель мира» Леонардо да Винчи , проданный за 450 млн долларов. Но в 1999-м , когда вышла « Афера Томаса Крауна», действительно , не существовало картины , проданной хотя бы за 100 млн. Титул самой дорогой картины в ту пору принадлежал « Портрету доктора Гаше» кисти Ван Гога — в 1990-м он ушёл за 82,5 млн долларов. Рекорд был побит только в 2004-м — и в мире появилась первая картина стоимостью 100 млн долларов , даже больше: «Мальчик с трубкой» Пабло Пикассо был продан за 104,1 млн долларов.
Винсент Ван Гог. Портрет Портрет – реалистичный жанр, изображающий существующего в действительности человека или группу людей. Портрет - во французском прочтении - portrait , от старофранцузского portraire — «воспроизводить что-либо черта в черту». Еще одна грань названия портрет кроется в устаревшем слове «парсуна» — от лат. persona — «личность; особа». Читать дальше доктора Гаше. 1890 Пабло Пикассо. Мальчик с трубкой. 1905 А картины Моне , которая стоила бы 100 миллионов долларов , не существует и по сей день. Последний рекорд стоимости для работ Моне был установлен в мае 2018 года — «Кувшинки в цвету» были проданы за $84,69 млн. Читайте материл « Артхива» о 10-ти самых дорогих картинах Моне.И ещё одно недоразумение с Клодом Моне.
Страховой детектив Кэтрин Бэннинг ( актриса Рене Руссо) решает проверить , кто в последние пять лет покупал картины Моне на крупнейших аукционах. Пара ударов по клавиатуре компьютера — и она уже распечатывает список с именами покупателей. Во-первых , покупатели произведений искусства чаще всего хранят анонимность. Ладно , допустим , у страхового сыщика имеется доступ к секретным базам. В конце концов , это фильм о том , как легко вести дела женщине , которая ходит на работу в чулках и платье с разрезом примерно до талии. Но что же она там находит?
son_v_iskusstve
Гюстав Курбе
Вакханка
1844-1847
Холст, масло
65 × 81 cm
Cologne, Rau Foundation
Поль Гоген
"Спящий Кловис"
1884 г.,
Холст, масло
частная коллекция
*Кловис - третий сын Гогена.
На момент написания картины (1884) ему было пять лет.
Феликс Валлоттон
(Felix Vallotton)
Спящая женщина
Феликс Валлоттон
(Felix Vallotton)
Белая и черная
(La Blanche et la Noire)
1913
Феликс Валлоттон
(Felix Vallotton)
Обнаженная в кресле
1897
Полуденный отдых картина милле
son_v_iskusstve
Афинский национальный археологический музей.
Надгробие юноши с реки Иллисос. 4 в. до н.э. Связывают с творчеством Скопаса.
Жан Франсуа Милле
"Полуденный отдых "
1866
Джон Сингер Саржент
"Полдень (после Жана Франсуа Милле)"
1875
Винсент Ван Гог
"Полдень: Отдых от работы (после Милле)"
1890
Генри Фюзели
"Ночной кошмар"
1810
Частное собрание
Базель
"Название картины "The Nightmare", что в буквальном смысле означает "ночной кошмар", многозначно. Английский термин "nightmare" - состоит из двух слов - "night" и "mare", т. е. "лошадь ночи". В таком контексте употреблял это слово Шекспир, у которого говорится: "I met the night mare" - "я встретил кобылу ночи". В другом месте он говорит: "The night mare and her nine foals" - "кобыла ночи и девять ее жеребят". Очевидно, этой этимологии мы обязаны появлением в картине Фюзели головы лошади. Она является как бы метафорой к первичному смыслу английского слова "nightmare" как посланца ночи, как ночного свидетеля, как явления ночи и сна".
"Сам Фюзели не оставил объяснения замысла своей картины. Но в его "Афоризмах об искусстве" есть одно замечательное размышление о роли сна в классическом искусстве. Здесь он пишет: "Одна из наименее использованных областей искусства - это сон, который можно было бы определить как персонификацию настроения. Пророки, сивиллы и патриархи у Микеланджело представляют собой широкую разновидность одного великого настроения. Сон Рафаэля - это характерное выражение мечты, у Микеланджело сон - это моральный подъем, ощущение возвышенного"".
"У Фюзели тема сна приобретает иное значение, у него сон становится символом страха. В его картине женщина не просто спит, она находится в агонии, в состоянии, близком смерти".
Читайте также: