Картина отдых после обеда
Курортная жизнь — это особая атмосфера, жизнь, наполненная только ей присущими впечатлениями, звуками, запахами, цветом и светом. Во все времена художники стремились запечатлеть это короткое, но очень яркое время.
В обзоре журнала об искусстве Точка ART — курортная жизнь XIX-XX веков в картинах известных художников.
Клод Моне «На досках в Трувиле»
Моне множество раз изображал на своих картинах трувильские пляжи, окрестные морские пейзажи и сам прелестный курортный городок, и картина «На досках в Трувиле» является типичной для творчества художника начала 1870-х.
Пляж, солнце, синее небо с легкими облаками, этот прекрасный солнечный день просто создан для неспешных прогулок по дощатому променаду, проложенному вдоль пляжа. Этот пейзаж французского импрессиониста входит в число редких работ Моне, которые никогда не показывались широкой публике. С 1883 по 1997 годы картина принадлежала семье Фрейдов, членами которой был основатель психоанализа Зигмунд Фрейд и художник Люсьен Фрейд, и не выставлялось по желанию владельцев. Впервые картина была выставлена в 2014 году в парижском музее Мармоттан-Моне, вместе с малоизвестными работами Камиля Писсаро и Альфреда Сислея.
Хомер Уинслоу «Папа идет!»
Американский художник и график Хомер Уинслоу считается основоположником американского реализма, оказав влияние на последующее развитие американской живописи. Уинслоу был замечательным мастером морских пейзажей, все его творчество посвящено взаимоотношениям человека и морской стихии. Герои его картин живут рядом с морем и зависят от него — рыбаки, выходящие в своих лодках на ловлю крабов, женщины, ремонтирующие сети, чистящие рыбу и ждущие своих мужей на берегу. В ранний период творчества Уинслоу задумывался над взаимоотношением человека и моря, более поздние его картины показывают драматизм непосредственно самой стихии.
Хомер Уинслоу «Папа идет!», 1873. National Gallery of Art, Washington © nga.gov Хомер Уинслоу «Папа идет!», 1873. National Gallery of Art, Washington © nga.govЛето 1873 года Уинслоу провел в Глостере, штат Массачусетс. В воскресенье, 24 августа, на море случилась особенно сильная буря, которая разбила девять лодок и унесла жизни 128 человек. Этот драматический момент послужил основой для картины «Папа идет!». Жизнь рыбака всегда была опасной, а ураганы и трагедии оставались в памяти женщин и детей навсегда. Можно предположить, что мальчик в соломенной шляпе, пристально вглядывающийся в уже успокоившееся море, вскоре сам окажется в одной из рыбацких лодок, а на берегу его кто-то так же будет ждать.
Жорж Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт»
«Он отвлекся и от обыденного, и от поэтического взгляда на вещи и перешел в область «чистой и почти абстрактной гармонии».
Жорж Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», 1884. Институт искусств, Чикаго © artic.edu Жорж Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», 1884. Институт искусств, Чикаго © artic.edu«Воскресный день на острове Гранд-Жатт» — не только самая известная, но и самая большая картина художника — 207×308 см. Американский историк искусства и критик Линда Ноклин считала этот шедевр родоначальника пуантилизма Жоржа Сёра своего рода антиутопией, «мастерским изображением разочарованного ожидания чего-то и бессмысленности «сладкого ничегонеделанья». А немецкий философ Эрнст Блох назвал картину «Мозаика скуки». Что касается современников Сёра, то они использовали эпитеты «бедлам», «скандал» и «веселье», именно такими словами встречая одну из самых замечательных картин XIX века на выставке в Париже.
Сёра работал над картиной в течение двух лет, делая многочисленные эскизы и наброски маслом, с почти научной точностью решая вопросы цвета, света и формы, каллиграфически накладывая крошечные мазки, образуют единый, более яркий светящийся оттенок. В итоге, разместив всех персонажей, ему удалось запечатлеть на холсте остановившееся время.
Чарльз Кондер «Выходные в Ментоне»
В конце XIX века австралийские художники увлеченно искали средства художественного выражения, которые помогли бы адаптировать язык современного европейского импрессионизма к австралийскому ландшафту. Этот процесс дал поразительные и оригинальные результаты.
Чарльз Кондер «Выходные в Ментоне», 1888. Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида © agsa.sa.gov.au Чарльз Кондер «Выходные в Ментоне», 1888. Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида © agsa.sa.gov.auВо второй половине 1880-х годов австралийские импрессионисты вдохновлялись лесами штата Виктория, пригородами Мельбурна (в частности, в одном из таких пригородов, Гейдельберге, возникло одноименное художественное объединение, ключевой фигурой которого был Чарльз Кондер), Канберры, Сиднея, природой Нового Южного Уэльса, пляжами Куджи и Ментона.
«Выходные в Ментоне» стали первой картиной Кондера, написанной им по возвращении из Сиднея в Мельбурн. Одна из самых известных картин художника заслуженно считается шедевром австралийского импрессионизма, а ведущий куратор австралийского искусства Национальной галереи Виктории называет ее «высокопарной, почти сюрреалистичной», но композиционно и эмоционально «блестящей, великолепно солнечной, как сама Австралия».
Петр Нилус (Словецкий) «На мостике. Лето»
«Если живопись вообще деликатна, как пыльца на крыльях бабочки, то марина (морской пейзаж — ред.) — это совсем нерукотворная вещь; не удалось в час — ничего не выйдет, хоть бейся месяц…» Так считал Петр Нилус, выдающийся южнорусский живописец и график, ученик Констанди и Репина.
Становление Нилуса как художника прошло в Одессе, где он закончил Художественную школа, а продолжить обучение в 1889 году отправился в Санкт-Петербург, в Академию Художеств. Учеба в столице была недолгой: Илья Репин, будучи его наставником, рекомендовал молодому художнику побыстрее начать выставочную деятельность и вернуться в родной город, где уже набирало обороты Товарищество Южнорусских художников.
На одесский период творчества Нилуса большое влияние оказали импрессионисты, с которыми художник познакомился во время поездки в Париж. Именно в конце 90-х годов XIX века он пишет морские пейзажи и небольшие жанровые картины, многие из которых посвящены Одессе. «На мостике» — одна из них. Близкий друг Нилуса, Иван Бунин называл художника поэтом живописи.
Константин Коровин «Пристань в Гурзуфе»
За спиной сидящей на веранде кафе женщины виден характерный крымский пейзаж: горы, море, парусная яхта выходит из бухты, по живописному склону Дженевез-Кая прямо к морю сбегают разноцветные домики. Свет — стихия художника — и именно через него он передает настроение южного жаркого летнего дня.
В живописи Коровина, одного из крупнейших представителей русского импрессионизма, свет — такой же непосредственный выразитель чувств, как звук в музыке. Коровин говорил: «Я пишу для тех, кто умеет радоваться солнцу, бесконечному разнообразию красок, форм, кто не перестает изумляться легко меняющейся игре света и тени».
Коровин считал, что только «краски и форма в своих сочетаниях дают гармонию красоты». И Крым давал художнику возможность в полной мере проявлять свой удивительный дар колориста.
Норман Роквелл «Содовая»
Норман Роквелл — культовый американский художник и иллюстратор, на рисунках которого выросло целое поколение. Роквелл не просто рисовал, он рассказывал истории, показывал миру повседневную жизнь в мельчайших подробностях, всегда изображая своих героев —будь то «Девочка с синяком под глазом» или «Продавщица в канун Рождества» — с большой симпатией, которой неминуемо проникался и зритель.
Идею «Содовой» Роквелл взял из рассказов своего сына, который работал в летнем кафе. Девочки любили приходить в кафе явно не ради содовой и мороженого, а ради бесед с веселым продавцом за стойкой. Парень в углу картины смотрит на беседующих с явной обидой и завистью, он тоже хотел бы так же непринужденно болтать и весело проводить время, но его не приглашают в компанию.
Обаятельные и ироничные рисунки Роквелла — это своеобразная ностальгия по «золотой эпохе» 50-х годов прошлого века, а еще — по детству, когда еще так просто верить в добро.
Александр Дейнека «В Севастополе»
Александр Дейнека — уникальный художник: в его творчестве было как минимум три совершенно разных стилистических периода; действительность 1920-х, 1930-х, 1940-1960-х годов диктовала ему свои жестокие правила, в рамках которых Дейнека находил возможность не менять вектор своего творчества.
Будучи истинным певцом соцреализма, Дейнека идеализировал и романтизировал мир советской реальности, страшная нужда и суровые условия жизни трансформировались на его картинах в подвиг, достаточно вспомнить его женщин, волокущих неподъемные тачки и с радостными улыбками выполняющих самые тяжелые работы на стройке новых цехов.
Люди Дейнеки не только тяжело трудились, они занимались спортом, культивировали здоровый образ жизни, отдыхали. Севастополь в творчестве Дейнеки занимает особое место и неоднократно появляется на его картинах, достаточно вспомнить одну из самых известных его картин — «Оборона Севастополя» (1942). Но Севастополь, залитый солнцем, с его «презагорелыми, с фиолетовым отливом» мальчишками, отдыхающими, строгими набережными и сверкающим морем, пленил художника еще в середине 30-х годов во время командировки в Крым. Отдых советского человека на морском побережье мы видим и на акварели «Севастополь. Водная станция Динамо» (1934) и на картине 1959 года «В Севастополе».
Зинаида Серебрякова «Пляж с зонтиками»
Зинаида Серебрякова жила и работала во Франции сорок три года, и период с 1924 по 1939 год стал расцветом французского периода ее творчества. Каждое лето Серебрякова старалась уехать из Парижа, использовала любую возможность и малейший повод, чтобы сын Александр и дочь Екатерина побывали на море. Да и для самой художницы поездка на море — это еще один мотив для работы.
В 1931 году в художница оказалась в Ментоне, курортном городе на Лазурном берегу, где создала большой цикл зарисовок, объединенных общей темой — «Пляж». Наброски, запечатлевающие быстро меняющуюся курортную жизнь, кажутся кадрами из фильма, в каждом — свой акцент: море, люди, дочь Катя в купальнике, зонтики, коляска, раздевалка, фигура с полотенцем. Отдыхающие беседуют на берегу, купаются в море, сидят в шезлонгах.
Такое большое количество пляжных зарисовок говорит, возможно, о том, что Серебрякова планировала написать произведение, продолжающее тему «ню», а, может, чувствуя все нарастающий динамизм жизни ХХ века, хотела «поймать» его в этой серии
Пища наша на полотнах великих художников: символизм еды в картинах Караваджо, Кустодиева и Веласкеса
Мода изображать, что у нас на тарелке, осталась прежней. Современные люди делают селфи с едой или выкладывают фото-рецепты в сеть не просто так.
Эти изображения говорят нам о собственном экономическом статусе и образе жизни. Так мы ищем единомышленников и получаем одобрение в своем социуме.
«Корзина с фруктами», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1596 г. «Корзина с фруктами», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1596 г.Удивительно, но пища наша может даже высказывать национально-политическую позицию ее потребителя.
Например, мы не покупаем продукты определенной фирмы или страны производителя. И выбираем что-то более лояльное и подходящее нам. Так было всегда.
Еще до изобретения фотоаппаратов люди начали изображать свою еду.
Пещерный человек уже рисовал на стенах своего жилища то, что он ест или хотел бы съесть. И именно в то время изображение еды стало обретать иной смысл и символику.
«Богато накрытый стол с попугаем», Ян Давидс де Хем. Выполнена около 1650 г. «Богато накрытый стол с попугаем», Ян Давидс де Хем. Выполнена около 1650 г.Тайные смыслы и посыл для продуктов питания это совсем не новшество 21 века.
Не будем заглядывать в историю слишком далеко, а обратимся к живописи. Неважно, какого бы периода картину мы взяли, на ней всегда можно найти множество сюжетов, связанных с едой, где за простыми изображениями яблока или рыбы прячутся невероятные истории.
Еда в живописи — это, конечно, натюрморты, а сам жанр натюрморта в европейскую моду вошел в XVII веке, когда вдруг голландские художники, такие как Ян Давидс де Хем, стали писать на своих полотнах неожиданные предметы.
Там появились накрытые столы с букетами цветов, фруктовые корзины, сыры, вино и пиво. Этот стиль быстро проник практически везде.
Но еда на картинах была и до этого. И символы она несла в себе весьма загадочные и интересные.
«Вакх», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1595 г. «Вакх», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1595 г.Микеланджело Меризи да Караваджо — создавал невероятные шедевры. Обратим свое внимание на его полотно «Вакх», где созданная кистью Караваджо корзина с фруктами приоткрывает нам настоящие тайны и философию бренного мира.
Художник изображает еду очень тонко и слишком реалистично. Караваджо намекает зрителю, что это у него совсем не фрукты, а самые, что ни на есть, людские пороки лежат на блюде.
На картинах прошлого фрукты на столе или в тарелке считаются символами благополучия, достатка и плодородия.
«Вакх», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1595 г. - фрагмент «Вакх», Микеланджело Меризи да Караваджо, 1595 г. - фрагментА на картине Караваджо все иначе, и приглядевшись, становится понятно — его фрукты безнадежно и давно испорчены. Они уже с гнильцой и лежалыми боками, съедены червями или другими насекомыми, их листья пожухли и есть их уже не стоит.
Со стороны кажется, что это картина о скоротечности времени. Вот прекрасный юноша и гнилые фрукты. Все в мире бренно и тленно. Увы, ничто не вечно.
Но если присмотреться к самому юноше, то видны его грязные ногти. Так что не только еда символична.
Молодость и красота — как те же фрукты. Она не только проходит и увядает, за ней также может скрываться гнилая или червивая душа, которая прячет в себе что-то по-настоящему неприятное.
«Завтрак», Диего Веласкес,1617 г. «Завтрак», Диего Веласкес,1617 г.Диего Веласкес написал эту картину, когда ему было всего 18 лет, и многие до сих считают ее иллюстрацией к плутовскому роману, возникшему во времена средневекового рыцарского романа.
Но рыцарь в нем был не только без страха и упрека, он также плут и мошенник без каких-либо моральных принципов.
Картина носит название «Завтрак», и мы видим тут трех человек в харчевне за накрытым белой скатертью столом. Перед ними очень простая еда: хлеб, два граната, тарелка с мидиями и вино.
А в руках у старика необычный продукт для нашего времени — корень пастернака. Да, сейчас этот овощ забыт, но он очень напоминает морковь или корень сельдерея. Это, скорее, пряность или пряный корень, чем овощ или полноценная еда.
Прошло много времени, и изображение на полотне немного размылось. И современные исследователи часто видят в пастернаке кальмара или каракатицу. Это не так. Там действительно пастернак.
«Завтрак», Диего Веласкес,1617 г. - фрагмент «Завтрак», Диего Веласкес,1617 г. - фрагментЕда простая, нехитрая и при этом немного плутовская. Словно обман перед нашими глазами. Зрителя уводят куда-то, что-то скрывают от него за этими простыми продуктами-образами.
У этой работы есть и другая, более интересная трактовка. Религиозная. На ней один стол, накрытый на одного, за ним три персонажа и все они разных возрастов. На столе еда, у которой свои символы: вино — это Кровь Христова, его Тело — хлеб, гранаты — символ воскресения. Что это? Изображение Святой Троицы?
Художник играет со зрителем, оставляет зашифрованные послания на своем полотне, а нам остается только гадать. Кто на ней? Плут, готовый обвести нас вокруг пальца, или христианские символы?
Но не только зарубежные художники умели прятать за едой на своих картинах что-то тайное. Наши тоже были в этом мастерами.
«Купчиха за чаем», Борис Кустодиев, 1918 г. «Купчиха за чаем», Борис Кустодиев, 1918 г.Борис Кустодиев написал это полотно через год после революции. Холод и голод — вот что было тогда в жизни художника. Годы счастливой юности остались где-то там позади, а пышные красавицы купчихи жили только в памяти самого Кустодиева.
Борис Кустодиев:
Живем мы здесь неважно, холодно и голодно, все только и говорят кругом о еде да хлебе…
Он создал свою купчиху в 40-летнем возрасте. Дама на картине совсем не купчиха, а студентка-соседка, Галина Владимировна Адеркас, настоящая баронесса из древнего рода. Художник специально добавил ей дородности, чтобы показать сытость и достаток.
Ну, а стол. Он просто ломится от вкусных и недоступных ему продуктов. Тут проскакивает некоторая ирония, где перегруженный едой стол, сам фон картины из выдуманного города и этот довольный кот, как какая-то усмешка, но без злого умысла.
«Купчиха за чаем», Борис Кустодиев, 1918 г. - фрагмент «Купчиха за чаем», Борис Кустодиев, 1918 г. - фрагментСовременники считали, что советский художник Б. Кустодиев этой картиной решил поиздеваться над дворянами. Поэтому полотно часто называли «Женщина за самоваром».
А посмотришь на его картину и так тепло становится, сразу хочется чаю с баранками и обязательно из блюдца.
____________________________________________
Этот материал принадлежит автору канала "Кулинарные записки обо всём", то есть мне и он был ранее опубликован лично мной же в моем канале-блоге на платформе Pulse .
Вам останется только повесить ее и наслаждаться прекрасным!
Отдых после обеда
Вы можете купить эту работу на Gallereo.
Оставьте заявку, а мы решим все вопросы оплаты и доставки с художником.
ЗНАМЕНИТЫЕ “ЗАВТРАКИ” В ЖИВОПИСИ. ИМПРЕССИОНИЗМ
Наверное, самым знаменитым завтраком в истории живописи является скандальный “Завтрак на траве” французского импрессиониста Эдуарда Мане , написанный в 1863 году. Первоначально эта картина предназначалась для Парижского салона – ежегодной художественной выставки, но была отвергнута жюри за аморальность и непристойность. “Завтрак на траве” вместе с другими недопущеными к экспозиции картинами был все-таки выставлен в так называемом Салоне отверженных.
В 1868 году Эдуард Мане пишет “Завтрак в мастерской” , который стал поворотной точкой в его творчестве. Жанр этой картины трудно определить – она сочетает портрет, натюрморт и бытовую сцену. Также недоумение критики и публики вызвали несочетаемые предметы, представленные на картине: шлем, кот, меч, лимон…
На переднем плане изображен Леон Леенхофф, сын жены художника Сюзанны, рожденный еще до брака. Долгие годы предполагалось, что Леон – сын Эдуарда Мане, но новые исследования указывают на Огюста Мане, отца самого художника.
Мане удалось мастерски объединить разнородные предметы и создать гармоничную композицию независимых друг от друга элементов. Женщина с кофе и рама на стене напоминают Вермеера, вариации серого отсылают к Веласкесу, а нож на столе является эхом натюрмортов Шардена”.(Марк Дюпети, “Великие художники. Их жизнь, вдохновение и творчество ”
Клод Моне “Завтрак на траве” (1866)
В настоящее время картина находится в экспозиции Пушкинского музея в Москве.
Пьер-Огюст Ренуар “Завтрак гребцов” (1880-1881)
Одной из самых знаменитых картин в наследии Ренуара является “Завтрак гребцов”, написанный в небольшом городке Шату недалеко от Парижа, а его непосредственным местом действия стала веранда ресторана “Мезон Фурнез” (см. Завтрак гребцов в Мезон Фурнез )
По сути, эта картина – групповой портрет близких Ренуару людей, где каждый персонаж узнаваем. Все они изображены в непринужденных, как бы случайных позах, что передает спонтанность момента. На переднем плане блестяще выполненный в виде натюрморта сам завтрак – бутылки вина, недопитые бокалы, тарелки с грушами и виноградом. Наполненный радостными красками “Завтрак гребцов” начисто лишен парадности, присущей академической традиции конца XIX века. Картина оставляет впечатление удивительной легкости, а вместе с тем художник работал над ней на протяжении несколько месяцев. Его друзья специально приезжали в Шату, чтобы позировать Ренуару, а их встречи часто проходили именно так, как показано на картине. Она посвящена самому счастливому периоду жизни художника, когда он находился в самом расцвете сил в середине жизненного пути.
Эдгар Дега “Завтрак после купания” (1895- 1898)
Картина “ Чашка чая. Завтрак после купания ” , выполненная в технике пастели, относится к позднему периоду творчества художника, когда Дега стал по его собственному выражению “ знаменитым и неизвестным ”. В это время он замыкается в узком кругу близких друзей, уйдя во “внутреннюю эмиграцию”. Он был одним из немногих художников, чьи картины удачно продавались. Сам же художник проводил четкую грань между “товаром”, который характеризовался высокой степенью отделки и остальными более авангардными произведениями. Его многочисленные купальщицы этого периода отличает ассиметричность композиции, необычность поз, возросшая интенсивность цвета. В связи с резким ухудшением зрения художник все более обращался к пастельной технике, что позволяло меньше напрягать глаза. В работе с пастелью Дега отличала удивительная свобода и новаторство. Он часто обрабатывал картины паром, после чего размягченную пастель растушевывал кистью или пальцем, добавляя маски маслом или акварелью.
На протяжении всей своей творческой жизни Дега скрупулезно изучал человеческое тело. Говорят, что к концу сеанса его модели не только смертельно уставали, но и были разрисованы полосками –разметками, которые слепнувший художник наносил на их тела, чтобы точнее определять пропорции.
Ренуар однажды сказал:
“ Если бы Дега умер в пятьдесят, его запомнили бы как отличного художника, и не более того. Однако после пятидесяти его творчество настолько расширилось, что он на самом деле превратился в Дега ”ЗНАМЕНИТЫЕ “ЗАВТРАКИ” В ЖИВОПИСИ
Художник Диего Веласкес (1599 – 1660) по праву считается величайшим представителем золотого века испанской живописи. Уже в 18 лет он сдал экзамен на звание мастера и был принят в гильдию живописцев Севильи. Свои первые картины начинающий художник создавал в жанре бодегонес (bodegón – харчевня, трактир), который сочетал в себе элементы бытовых сценок из народной жизни и натюрморта. К ним относится и картина “Завтрак” (Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Старик, мальчик и молодой человек (существует мнение, что это автопортрет Веласкеса ) изображены за незамысловатым завтраком. Наиболее яркая часть композиции – строгий и скупой натюрморт на белой скатерти. Висящие на стене короткополая шляпа и шпага указывает на благородное происхождение одного из присутствующих. Несмотря на бедность обстановки, персонажи на картине излучают оптимизм и радость.
Эта картина идентична другому полотну художника, выполненному годом позже – “Крестьянскому завтраку” (Музей изобразительных искусств, Будапешт). Тот же акцент на белой скатерти, но натюрморт не так скуп – рыба, лимон, морковь, хлеб и вино, которое девушка сосредоточено наливает в прозрачный бокал. Пожилой человек и юноша заняты беседой. Запоминающиеся народные типы, полные естественного достоинства, выбор сюжета, контрастность освещения, плотность письма характерны для раннего творчества Веласкеса, на который оказали большое влияние работы Караваджо . До наших дней сохранилось всего 9 картин этого периода, в том числе и два “Завтрака”.
Франсуа Буше, “Завтрак” (1739)
Франсуа Буше (1703–1770), придворный художник Людовика XV, получивший звание “первого живописца короля”, был обласкан славой и почетом. Он проявил себя как яркий представитель эпохи рококо, которую во Франции называли временем Купидона и Венеры. Законодатель моды и образец стиля, любимец знати и протеже мадам Помпадур, Буше прославился как талантливый декоратор и художник. Его славу живописца составили многочисленные пейзажи и пасторали, картины на мифологические и библейские сюжеты.
Несколько особняком в его творчестве стоит “Завтрак” (Лувр, Париж ). Домашняя сцена в элегантной гостиной, где за кофейным столом (новый и модный на ту пору напиток) собрались члены одной семьи. Исследователи считают, что здесь Франсуа Буше изобразил собственную семью: жену (справа), сестру (слева), двоих детей и себя самого. Теплая атмосфера, царящая за столом, подчеркивается мягким золотым светом, пронизывающим комнату. Картина запечатлела на века счастливое мгновение внутренней близости, домашнего покоя и семейного счастья.
“Завтрак” в полной мере раскрывает многогранный талант Буше не только как живописца, но и как дизайнера и оформителя. Художник тщательно и подробно, с большим мастерством выписал все детали интерьера – большое позолоченное зеркало с резным декором, витые ножки стола, часы, фигурки на полочках.
П.А. Федотов , “ Завтрак аристократа” ( 1849—1850)
— Мы с самого детства все заражены одной болезнью.— Право? Да как же называется эта болезнь?
— Она называется просто: жизнь сверх состояния .
Зинаида Серебрякова , “За завтраком” (1914)
Зинаида Евгеньевна Серебрякова (1884 – 1967) занимает почетное место в истории русской живописи не только как замечательная художница, но и как одна из первых женщин, оставившая яркий след в изобразительном искусстве. По мнению Александр Бенуа, идеолога “Мира искусства” и дяди художницы, “в детских и женских портретах Серебрякова не знает себе соперников”. И картина “За завтраком” (Государственная Третьяковская галерея) – тому подтверждение.
Вскоре после революции Зинаида Серебрякова потеряла мужа и осталась одна с четырьмя маленькими детьми на руках. В 1924 году художница покинет страну и навсегда уездет во Францию. Спустя 2 года к ней присоединятся Александр и Катя, двое других детей по независящим причинам останутся в Советской России вместе с бабушкой. Долгими десятилетиями они смогут общаться только посредством писем, а увидятся только в начале 60-х годов незадолго до смерти художницы. Все дети Серебряковой посвятят себя искусству: Евгений станет архитектором и реставратором, остальные – художниками.
В 1955 году картина “За завтраком” была приобретена Третьяковской галереей у Лидии Руслановой, знаменитой певице русских народных песен и известной собирательнице картин русских художников и антиквариата.
Пабло Пикассо , цикл “ Завтрак на траве. По Мане ” (1950- 1960)
Как известно, Пикассо в разные периоды творчества обращался к живописи гениальных предшественников, создавая циклы картин-реплик на тему того или иного художника или отдельного произведения. Великие работы живописцев служили для него не только вдохновением, но и вызовом. В 1950-1960-е годы Пикассо создал серию картин “ Завтрак на траве. По Мане ” , самую обширную в тот период.
После обеда
Картина «После обеда» стала одной из самых известных работ Берты Моризо совсем недавно. Ее включают во все феминистские живописные обзоры, потому что в 2013 году это полотно установило аукционный рекорд. После стремительных торгов между шестью активными участниками картина была продана за 10, 98 млн. долларов анонимному покупателю и стала на тот момент самой дорогой работой женщины-художницы.
Но это произведение заслужило множество восторженных отзывов намного раньше, сразу же, когда впервые было представлено публике. Седьмая выставка художников-импрессионистов прошла в 1882 году и стала, по мнению самих участников, самой «правильной» за все 8 лет бунта, разногласий, рождения и развития уникальной выставочной авантюры. Это была выставка, участниками которой стали именно те художники, которые придерживались общих взглядов на искусство, которые защищали одни идеи и с которых начался «импрессионизм»: Моне, Ренуар, Писсарро и, конечно, Берта Моризо. К тому времени каждый из них обрел особый почерк и представил самые блестящие свои творческие открытия и обретения.
Берта была в Ницце и организацией выставки с другими художниками занимался ее муж, Эжен Мане, посылая в письмах подробный отчет о происходящем. Художница представила 9 своих работ для этого мероприятия, и в том числе «После обеда», и заслужила звание самого импрессионистичного художника из всех импрессионистов.
Манера письма Берты Моризо действительно самая страстная и дерзкая, в какую бы импрессионистическую компанию она ни попадала – и в прижизненных выставках, и в самых современных. Длинные, резкие мазки, которыми часто лишь обозначаются фигуры людей, деревья, цветы. Особый, жемчужный белый цвет, который у Берты Моризо имеет десятки нюансов, оттенков и степеней прозрачности. Нарочитая эскизность и часто просто пустые, не заполненные красками участки холста – она писала быстро, пытаясь схватить главное.
«После обеда» - картина, написанная в пригороде Парижа Буживале, в доме, который Эжен и Берта несколько лет подряд арендовали на лето. Это было самое гармоничное и счастливое время в жизни Берты Моризо – время, когда жить, писать, дышать, любить можно было сильно не различая одно от другого.
Модульная картина - Отдых после обеда
В стоимость картины входит:
100% безопасная оплата
Картину Вам приносит курьер. Вы открываете посылку и смотрите товар. Нравится картина - оплачиваете. Не нравится - ничего не платите (по всей России)
Европейское качество
Европейское качество холстов, чернил и оборудования для печати. Картина будет яркой, насыщенной и безопасной!
Крепления
Стальной зубчатый крепеж для каждого модуля. Вешать картину с ним намного проще.
Деревянный подрамник
Толщина 4см на 2см. Материал - сосна высокого качества
Галерейная натяжка
Рисунок продолжается на боковых стенках. Холст закрепляется на задней стороне подрамника. Никаких уродливых белых торцов
Покрытие лаком
Защитит Вашу картину от внешнего воздействия и визуально создаст эффект глубины изображения
Надёжная упаковка
Воздушно-пузырчатая пленка и защитные уголки исключают любые повреждения во время транспортировки. Если картина повредится - мы вышлем Вам новую бесплатно!
MP3-плеер в подарок
В нашем магазине проходит акция - при покупке картины сегодня вы получите замечательный MP3-плеер в подарок, абсолютно бесплатно!
Дополнительная опция "картина маслом"
С помощью текстурного геля наши художники могут воссоздать
изображение мелкой кистью для придания эффекта только
что нарисованной картины. Цена от 4000 руб.
Послеобеденный отдых
Автор:
Павел Ин
"Послеобеденный отдых"
Однажды после обеда к Васнецову пришел Репин. Они еще раньше договорились пойти в Оружейную палату. Сели перед дорогой, и Репин вдруг говорит:
- Вот мы с тобой вроде русские художники, а русских традиций не соблюдаем. Прямо сейчас отступаем от старины. Нехорошо!
- Что же такое? - удивился Васнецов.
- А то! Знаешь, за что Гришку Отрепьева в пушку сунули? Думаешь, за то, что поляков на Русь напустил? Нет! Мне тут Стасов все объяснил: его грех был в том, что он попирал главный из дедовских и прадедовских обычаев. Делами занимался после обеда вместо того, чтобы спать на печи!
Светлана Круглова
Живу в Москве, отправляю картины почтой по России и за границу.
Доставка по Москве бесплатно.
2012 - член Профессионального Союза Независимых Художников
2014 - член Творческого Союза Художников России
1994 - выставлялась в Пластовской галереи.
1999 - выставлялась в Пластовской галереи.
2002 - проводилась персональная выставка в Ульяновске.
2012 - участвует в выставке "Тепло души" в Нижнем Тагиле, в Первом медицинском центре.
2012 - участвует в городской выставке "Большая прогулка по маленькому городу", посвященной 65-летию города Лесного, в городском музее.
2012 - персональная выставка "Отражение Кругловых" в ТИПО кафе, ТИПО отеле в Москве.
2012 - персональная выставка в ресторане "Каприччио" в городе Химки.
2012 - проходит персональная выставка в арт-кафе "Лафит" в г. Москве.
2012 - персональная выставка "Прикосновение к вечности" в Государственном выставочном зале "Варшавка", г. Москва.
2013 - персональная выставка в Антикафе yostudio г. Москвы ул. Большая Новодмитровская д. 36 стр. 12.
2013 - проходит выставка в кафе "Тандем" г. Москвы ул. Сельскохозяйственная, 16 а.
2013 - персональная выставка "Отражение видения" в выставочном зале "Богородское" в г. Москве.
2013 - персональная выставка в выставочном зале "На Дорожной" в г. Москве.
2013 - персональная выставка "Золотое кольцо России", посвященная Дню города Москвы в выставочном зале "Зеленоград".
2013 - участвует в Международной выставке "Мир через искусство", в экспозиции "Музея Мира" в Центральном Доме Художника. Фонд поддержки, развития и пропаганды идей мира "МИРОТВОРЕЦ"
2014 - участвует в выставке в музее "Москва-Сити" (ОАО "Сити") Башня Федерация "Москва-Сити" глазами художников". Городской пейзаж.
2014 - участвует в выставке "Башни и купола" в музее "Москва-Сити".
2014 - участвует в Экспозиции «Музея Сити» в «Мастерславле».
Родилась в городе Ульяновске. В 9 лет мы с мамой побывали в г. Ленинграде, где друг маминой знакомой две недели с утра и до вечера водил нас по многочисленным музеям, где висели картины великих художников. Я рассматривала картины с большой страстью, и тогда я сказала себе, что буду художником. Тогда я была счастлива тем, что поняла зачем я живу. Живопись стала для меня целью жизни. В 13 лет я ходила в кружок рисования в доме пионеров. А в 15 лет я решила поступить в Ульяновское на педагогическое училище художественно-графическое отделение. Но моя мама посоветовала мне поступить на дошкольное отделение, сказав, что учителем рисования в школе работать будет трудно, что с подростками вообще трудно работать. Я послушала ее еще и потому, что детей я тоже очень любила. После окончания дошкольного отделения я вышла замуж и уехала в Литву с мужем военным. В Каунасе я каждое воскресенье посещала музеи, где была западно-европейская живопись. В 1990 году я закончила Каунасское Художественное училище. В те годы я любила писать портреты людей. Но у меня начался творческий кризис и первое десятилетие нового века я совсем не брала кисть в руки, за редкими исключениями. А с 2009 года с новым энтузиазмом открыла для себя мир цветов. Особенно меня восхищали розы. Эту королеву цветов я писать стала с большим вдохновением. Распускающаяся роза приводит меня в восторг и трепет.
Произведения Светланы Кругловой находятся в галереях и частных коллекциях России и за рубежом.
Читайте также: